Lineal y aburrido... Cuando el Diazepam entra en tu equipo de música.

El hasta ahora primer (y único) trabajo de los británicos The Orange Lights es el claro ejemplo de como intentar crear un trabajo que recuerde a cualquier disco de pop británco publicado en los últimos 10 años, pero insufriblemente lento. Para dicha fórmula tenemos los ingredientes correctos: el productor de la carrera en solitario de Richard Ashcroft (The Verve), un productor que es colaborador de Coldplay y un estilo que inenta emular (fallidamente) el estilo Brit-Pop de aquellos magníficos The Verve o de la peor etapa de Embrace.

¿El Resultado? Acabo de escuchar uno de los discos más aburridos, insulsos y pedantes de los últimos tiempos. Life es Still Beautifull es como un azucarillo recubierto de miel que intenta pasar por tu deshidratada garganta, una árdua tarea de deglución que no llega a ser digerida. Y es que cuando uno ha escuchado tres cortes del disco, se cansa de las baladas tristes y lineales, de los medios tiempos y de que no exista ninguna capacidad de sorpresa musical. Puede que el cantante (Jason Hart) tenga una voz que podría llegar a ser interesante, y puede que el grupo cuente con el antiguo miembro de The Lighthouse Family, Paul Tucker,  pero ello no es suficiente para dejar de prestarle atención a dicho trabajo despues de dos o tres escuchas.

¿Life is Still Beautifull? Si Jason, lo es, pero también es demasiado corta para malgastarla en escuchar de nuevo vuestro aburrido debut. Esta es la razón por la cual quedará sumido por el polvo en el fondo del cajón dónde descansan aquellos trabajos prescindibles de la escena musical contemporánea. 

Nota: 3 (Sobre 10)

¿Alguien se acuerda de Slowdive?

Para aquellos sumergidos en el  mainstream, el nombre de Slowdive les debe decir más bien poco, o quizá nada, y es que este fue en su época un grupo de corta vida (primera mitad de la década de los 90) con poca repercusión comercial. Han pasado ya catorce años desde la desaparición de Slowdive, y a día de hoy, la mayoría de la prensa musical que en su día los ignoró hoy los viste como los magos responsables de haber creado uno de los trabajos más importantes de la década pasada: Souvlaki. La desaparición de este quinteto en 1995 nos dejo, por un lado, con una obra póstuma aburrida y de difícil digestión bajo el nombre de Pigmalion, y por otro lado nos dejó con la creación de un nuevo grupo de corte folk y country llamado Mojave 3, formado por los "ex" Halstead,  Goswell y McCutcheon, grupo que a día de hoy permanece en activo.

Nueve años después de esta disgregación, otro de los "ex-Slowdive" (el batería  Simon Scott) creó en al que sería su su pseudónimo transformado en grupo: Televise. Este nuevo proyecto inició su camino en el año 2004 con la publicación de dos singles (Smile & Outside Out) que obtuvieron una buena acogida por la prensa musical, y que sirvieron de aperitivo para la publicación de su trabajo debut: Songs to Sing in A&E. Este cálido debut se puede considerar como un homenaje, un leve "revival" adaptado a la nueva década de lo que en su día fue la esencia de Slowdive: melodía, ambiente, sutileza, texturas y texturas de guitarra y sonidos electrónicos.

Una vez más nos  hallamos ante un trabajo totalmente desconocido, que aunque no es sobresaliente, si que se puede considerar como un gran ejercicio creativo que nos transporta a la última década del siglo XX, y que a más de un sohegazer nostálgico le arrancará una buena sonrisa.

Nota: 7 (Sobre 10)

¡No seas Idiota! (Mensaje para aquellos fans que fueron defraudados).

Permitidme,a modo introductorio, que realice un Flashback. Estamos a principios de los 90, una época en la que empiezan a despuntar un gran número de tendencias musicales alternativas, algunas gestadas a finales de la década de los 80 y otras claramente influenciadas por movimientos que tienen su origen a finales de los 70. En esta época convulsa para el pop y el rock alternativo reaparece un movimiento iniciado en los Estados Unidos que sería etiquetado como Punk-Rock, pero que etiquetas a parte, nada tenía que ver con con los principios ideológicos de aquel Punk-rock de finales de los 70 y que fue abanderado por grupos como The Ramones, The Clash, New York Dolls, Stooges o Sex Pistols.
Entre los grupos de esta nueva hornada existieron dos que saltaron directamente de los circuitos independientes al mainstream (véase Offspring y Greenday), vendiendo millones de discos y apareciendo repetidamente en la MTV, un símbolo inequívoco de la filosofía Punk (si, estoy siendo irónico). Este gran salto multimillonario que Green Day realizó en 1994 se lo deben a su tercer trabajo, llamado Dookie, punta de lanza de su carrera que fue menguando en éxito y ventas trabajo tras trabajo, según maduraban y se alejaban de la sonoridad punk-comercial tan de moda durante la década de los 90.
Necesitaron de una década para volver a crear un trabajo que aunara esa madurez de la que hicieron gala durante su etapa "desconocida" con la repercusión comercial desorbitada, y eso lo consiguieron con la publicación de American Idiot. Este notable trabajo fue tildado por mucho de sus seguidores como un trabajo "vendido" debido a su gran éxito comercial, un echo que me sorprende y me produce gran hilaridad (me descojono, vamos) ya que Green Day se ha caracterizado siempre por ser un grupo "multiventas", anclado a la gran maquinaria de la MTV y a las grandes discográficas ( ha llegado a vender más de 45 millones de discos a lo largo de su carrera).

Si dejamos los problemas existenciales de algunos seguidores de la banda a un lado (mensaje para los que vivíais engañados: Green Day siempre ha sido COMERCIAL), podemos decir que American Idiot (título que hace alusión y mofa del programa estadounidense American Idol, aquí Operación Triunfo) es ,a nivel personal, el mejor trabajo que han publicado en toda su carrera.
La ideologia de este trabajo se sustenta en el desconcierto y la pérdida de rumbo de la sociedad estadounidense tras los ataques del 11-S. El trabajo esta estructurado como si fuese una ópera Punk-Rock,un disco conceptual en la cual se nos explica la historia de la infructuosa huida de Jesus of Suburbia, un joven "Yanki" que aborrece la manipulación que los medios audiovisuales realizan sobre el pueblo americano para "tapar" la mala administración del gobierno de George W Bush tras la invasión de Iraq, lo cual conlleva a una visión estereotipada de un pueblo estúpido gobernado por un pueblerino aún más estúpido.
Musicalmente no encontraremos nada que Green Day no nos hayan presentado hasta ese momento: predominio absoluto de Punk-Rock al que nos tienen acostumbrados pero producido elegantemente, lo que dota al trabajo de una sonoridad conocida para los seguidores de la banda pero más limpia y musculada, un factor que lo acerca aún más a las masas, sin que este echo pueda desmerecer el resultado final de un trabajo notable (que no excelente).

El que crea que el contenido de American Idiot va de transgresión, ausencia de dogmas, lucha versus la autoridad, los medios, la sociedad establecida y del "No Future" que siga buscando...

Nota: 8 (Sobre 10)

Como parecer un "Indie" Británico sin serlo realmente.

¿Longwave? ¿Quienes?

Si, otro grupo de la escena “indie” que para muchos lo conocen en su barrio (para más señas Brooklin, NY) y poco más. Pero una vez más lo desconocido no deja de ser sorprendente, y en este caso un grato aunque arduo descubrimiento. Tras fichar por una multinacional y firmar uno de los mejores trabajos de la escena Indie de 2003, Longwave necesitaba lo que pocos grupos han conseguido a lo largo de su carrera: crear su trabajo de confirmación absoluta para intentar dar el salto al “mainstream”. Mientras el segundo trabajo estaba en proceso de gestación, la formación inicial de este cuarteto neoyorquino sufrió una escisión quedándose dos de sus miembros iniciales en el camino, lo cual supuso la pérdida de parte de las cualidades creativas de la banda.

Tras grabar con músicos de estudio para suplir sus dos bajas de la formación inicial, Longwave publicó el que sería su tercer trabajo: There´s a Fire. Cuando escuché este trabajo por primera vez me di cuenta que me encontraba ante un álbum que muestra un claro ejemplo de dualidad, de matices claro-oscuros, y férrea búsqueda de identidad. Si con Strangest Things el brillante trabajo predecesor este cuarteto parecía un grupo de ideas claras, con There´s a Fire pasaron al posible potencial que nunca llegaron a desarrollar. Me explico, nos encontramos ante un trabajo poco brillante que nos muestra el potencial y la claridad de la banda en algunos cortes (“Heart Attack”, “River”, “Fall on every Whim” y “Underneath”), pero por desgracia también nos muestra su inmadurez y falta de consolidación, necesitando de el anclaje urgente de sus influencias musicales para poder sacar el resto de temas adelante. De esta manera encontramos canciones con recuerdan en demasía a sus antecesores, véase Ride, Swervedriver, The Verve e incluso Radiohead (“Down in Here” parece una cara B sacada de cualquier disco de Radiohead de la era post Ok Computer), pero finalizadas sin la brillantez que estos grupos dieron a sus temas. ¿El resultado de este embrollo? Canciones de corte Pop británico que repiten la fórmula que todos hemos oído millones de veces y que nos recuerdan al sonido de la época dorada del Britpop de grupos como Blur, Embrace o Pulp.

Tras esta menestra de ideas, a uno le queda la sensación de que Longwave intentó destruir su etiqueta americana para cambiarla por su ansia británica, creando un trabajo que pasará a la historia de la música como uno más del montón, es decir, sin pena ni gloria.

NOTA: 6 (Sobre 10)

Cuando el sonido es capaz de producirte asfixia.

En muchas ocasiones un ejemplo (al igual que una imagen) vale más que mil palabras. Hace unos días, uno de los miembros de esta comunidad virtual (Benny Blanco) realizó un magnífico, breve y resumido ensayo que en el que nos recordaba la inmundicia sonora que es el formato mp3 (magnífico para la vida callejera, eso sí) a comparación de otros formatos físicos como pueden ser el Cd, Vinilo o el Superaudio Cd. Es decir, que si escuchas tu canción preferida en tu reproductor de mp3 y luego le das un repaso en un buen equipo HI-FI a muchos le sorprendería la cantidad de matices sonoros que se estaba perdiendo.

Esto que he mentado en el párrafo anterior a modo de introducción es precisamente lo que pasa con el segundo trabajo de los desconocidos, minoritarios y probablemente olvidados Air Formation. Este ambiental trabajo (titulado Stay Inside, Feel Everything) es el típico disco que necesita de un buen equipo Hi-fi y de su soporte original para ser disfrutado y apreciado en su totalidad. Cabe decir que este no es un trabajo para las masas, ya que su música dista mucho de ser directa y fácil de digerir, al igual que ya hicieran sus antecesores (véase Slowdive, Jesus and the Mary Chain o Ride) con su sonido Nu-Gaze /Dreampop. Efectivamente, estos cinco músicos no han descubierto nada nuevo, no han sido los hombres que pisaron la luna por primera vez, y únicamente recalcan una fórmula minoritaria que tuvo su momento de esplendor a principios de los 90, pero saben lo que hacen y diría que  se han laureado “cum laude” en el máster del sonido ambient- Shoegazing.

Nos encontramos pues con un trabajo intenso y completo, lleno de capas y capas guitarras distorsionadas pero suaves entremezcladas con etéras voces que se pierden en la estancia, creando una intensa, compleja e hipnótica explosión sonora que sumergirá a vuestro cerebro en una atmósfera asfixiante y saturada. Intensidad, asfixia, levitación... tres adjetivos que aparecen en mi mente cada vez que aprieto el botón de “Play” de mi equipo de música y aparecen los primeros compases de esta magnífico ensayo sobre el cómo exprimir el sonido de ese instrumento de seis cuerdas cuando es bañado bajo los pedales de efectos y distorsión.

Ya lo apostilla el  título de este trabajo: Stay inside and feel everything, manteneos dentro de su sonoridad, y os aseguro que seréis capaces de sentirlo todo.

Nota: 7'5 (Sobre 10)

Empalagoso y Fallido Debut.

La vorágine del Brit-Pop daba sus últimos coletazos tras su estallido y esté se dirigía inexorablemente hacia su eclosión. Posiblemente esta fuese la razón por la cual las discográficas británicas, en un fallido intento por mantener el ya moribundo estallido de esta corriente, buscaban con ansiedad a nuevos grupos que lograsen mantener el "tirón" mediático que grupos como Blur o Oasis habían inaugurado 6 años atrás.

En esta época de clara muerte y cambio de tendencias, los entonces desconocidos Embrace (quinteto formado en 1996 por los hermanos McNamara) publicaron "The Good Will Out" su primer LP (Long Play). Este es un trabajo que aunque sigue al milímetro el patrón del sonido Brit resulta mediocre, ya que se establece como un compendio o refrito de tonalidades típicas del sonido Brit-pop, llegando a copiar descaradamente y milimétricamente el estilo que Oasis (otro grupo en larga y agoniosa decadencia) popularizó a mediados de los 90. Pese a esta burda copia o este ejercicio de clara falta de imaginación "The Good Will Out" llegó a ser número 1 en las listas del Reino Unido en 1998, algo que me parece inexplicable (a menos que se explique con lo que apostillo en el primer párrafo), ya que este álbum es monótono, repetitivo, empalagoso, carente de intensidad y de buenas ideas.
Pero fue tal el éxito de su debut que Embrace mantuvo esta monótona fórmula a sus trabajos posteriores "Out of Memory" y" You´ve Never Been", dos adefesios musicales que supusieron el carpetazo final de una tendencia moribunda y condenada a los libros de la historia musical contemporánea. Condenados al olvido y a punto de desaparecer, Embrace necesitaría de 2 años de árduo trabajo para resurgir "Out of Nothing", un magistral ejercicio de "revival" de aquel estilo que marcó la década de los 90, aunque esto ya es otra historia.

Hace años que no escucho "The Good Will Out", y el único recuerdo que guardo con intensidad sobre este trabajo es que cuando lo compré en 1998 esperaba algo diferente (por las críticas que había leído) y casi me tiro de los pelos por haberme gastado 2600 pesetas de aquel entonces. Si Last .fm hubiese existido antes... esto no habría pasado.

Nota : 2'5 (Sobre 10)

Cuando los Indies vencieron de nuevo.

Este es uno de los grupo atípicos de la escena actual, es decir, les importa más bien poco que llueva o que haga sol, que vendan o no vendan sus trabajos, que las críticas sean buenas o no tan buenas (aún no he visto una crítica negativa de alguno de sus trabajos)... Quizá la palabra correcta para poderlos definir a este trío californiano sería perseverancia, ya que tras 14 años de carrera han editado mediante un goteo constante 11 trabajos de estudio (casi una entrega por año), gracias a la prolífica mente del alma matter del grupo Jason Martin.

En sus inicios Straflyer se caracterizaron por su estilo agitado y abrasivo, muy cercano al Shoegazing afilado que se hacía en los Estados Unidos, pero su música fue evolucionando hacia un sonido pop-rock elaborado y cálido tras la publicación de “The Fashion Focus” (1998) hasta conseguir pulir esta magnífica fórmula en el trabajo que hoy tengo en honor de mentar : “Everybody Makes Mistakes”.

Para esta obra, publicada en 1999, Starflyer se adentraba definitivamente en el mundo del Rock Indie adecentado con sutilezas pop de calidad dedicada. En “Everybody makes mistakes”  encontramos melodías hasta entonces experimentales para el grupo, ya que tras la rabia de sus inicios pasaron a un sonido que se centraban en un cuidado exquisito de los arreglos de cuerda (arpa, violín, violonchelo) colocados tras la introducción de elementos relativamente inéditos para ellos como los órganos y el piano para dejar de trasfondo sobre la ensoñadora, suave y melódica voz de Mr Martin.

Cálido, cuidado, clásico... este trabajo tan extraño en relación a lo que Straflyer había publicado hasta el año 1999 se convirtió, directamente, en una de las mejores creaciones de Starflyer y en uno de los mejores trabajos de la escena Indie del siglo pasado. Como reza el título de este trabajo: todo el mundo puede fabricar mentiras, es cierto, pero no todo el mundo puede crear un disco tan delicado como este.

Nota: 7'5 (Sobre 10)

Sorprendente y desconocida diferencia.

¿Qué es lo que pasa cuando mezclas en mismo trabajo sonido Inde-Pop de calidad, una pizca de reminiscencia shoegazer  y lo acabas de conjuntar con gotas de aquel pop de los 60 que inmortalizaron grupos como The Beach Boys? Pues que encontrarás ante un cóctel refrescante, con cuerpo, bien mezclado y con un gran  sabor, nuevo y sorprendente.

Todo esto es lo que guarda el segundo Long Play de los estadounidenses  The Broter Kite. ¿Perdone, quiénes ha dicho? Si, lo sé, a estos cinco los conocen en su pueblo (cómo dirían en mi barrio) y no entiendo muy bien el porqué. Os puedo asegurar que no nos  encontramos ante otro grupo del montón, sino todo lo contrario ya que The Brother Kite  no sólo suenan frescos sino que sorprende que un grupo “amateur” que editó su primer trabajo en una pequeña discográfica, que por supuesto no tenía los estudios de grabación de EMI o Poligram, por poner un ejemplo,  hayan podido crear un segundo trabajo tan PROFESIONAL (con mayúsculas) cuidado y mimado al detalle, debiendo tener en cuenta que ellos mismos se encargaron de la grabación y producción de esta pequeña joya.  Para este segundo trabajo (para mi uno de los mejores discos editados en el año 2006) el quinteto estadounidense decidió madurar su sonido desde el Nu-gaze /Shoegaze de sus inicios (dejando, eso sí, algunas reminiscencias) para pasar a un sonido más elaborado, maduro, dulce y al vez explosivo.

Lo primero que te sorprende al escuchar este trabajo es la dulce voz de Patrick Boutwell  acompañada y orquestada por elaborados  coros que te transportarán hacia el pasado, dándote un aire de añoranza, llevándote hacia la sonoridad de aquellos magníficos Beach Boys de la década de lo XX, todo ello entremezclado con elegantes guitarras de reminiscencia Shoegazer, percusión, bajo y órgano que consiguen elaborar un pop-rock totalmente cuidado al milímetro, orquestado con mimo y maestría y que es capaz de arrancarte un sonrisa, algo que pocos trabajos consiguen en una actualidad masificada por fórmulas repetidas hasta la saciedad y sustentadas en el marketing más salvaje.

Como si de un diamante se tratase, Waiting for the time to be Right es un sorprendente trabajo que cuesta de encontrar, es uno de esos regalos que aparecen tras navegar y bucear por la red durante días y que con toda seguridad no lo veréis en la sección de novedades de vuestra habitual tienda de discos al lado de los artistas “enlatados”,  listos para comer y eliminar…  En la diferencia esta el gusto.

NOTA : 9 (Sobre 10)