Lineal y aburrido... Cuando el Diazepam entra en tu equipo de música.

El hasta ahora primer (y único) trabajo de los británicos The Orange Lights es el claro ejemplo de como intentar crear un trabajo que recuerde a cualquier disco de pop británco publicado en los últimos 10 años, pero insufriblemente lento. Para dicha fórmula tenemos los ingredientes correctos: el productor de la carrera en solitario de Richard Ashcroft (The Verve), un productor que es colaborador de Coldplay y un estilo que inenta emular (fallidamente) el estilo Brit-Pop de aquellos magníficos The Verve o de la peor etapa de Embrace.

¿El Resultado? Acabo de escuchar uno de los discos más aburridos, insulsos y pedantes de los últimos tiempos. Life es Still Beautifull es como un azucarillo recubierto de miel que intenta pasar por tu deshidratada garganta, una árdua tarea de deglución que no llega a ser digerida. Y es que cuando uno ha escuchado tres cortes del disco, se cansa de las baladas tristes y lineales, de los medios tiempos y de que no exista ninguna capacidad de sorpresa musical. Puede que el cantante (Jason Hart) tenga una voz que podría llegar a ser interesante, y puede que el grupo cuente con el antiguo miembro de The Lighthouse Family, Paul Tucker,  pero ello no es suficiente para dejar de prestarle atención a dicho trabajo despues de dos o tres escuchas.

¿Life is Still Beautifull? Si Jason, lo es, pero también es demasiado corta para malgastarla en escuchar de nuevo vuestro aburrido debut. Esta es la razón por la cual quedará sumido por el polvo en el fondo del cajón dónde descansan aquellos trabajos prescindibles de la escena musical contemporánea. 

Nota: 3 (Sobre 10)

Leer The Orange Lights : Life is Still Beautifull en Don´t Kill the Muzic !

¿Alguien se acuerda de Slowdive?

Para aquellos sumergidos en el  mainstream, el nombre de Slowdive les debe decir más bien poco, o quizá nada, y es que este fue en su época un grupo de corta vida (primera mitad de la década de los 90) con poca repercusión comercial. Han pasado ya catorce años desde la desaparición de Slowdive, y a día de hoy, la mayoría de la prensa musical que en su día los ignoró hoy los viste como los magos responsables de haber creado uno de los trabajos más importantes de la década pasada: Souvlaki. La desaparición de este quinteto en 1995 nos dejo, por un lado, con una obra póstuma aburrida y de difícil digestión bajo el nombre de Pigmalion, y por otro lado nos dejó con la creación de un nuevo grupo de corte folk y country llamado Mojave 3, formado por los "ex" Halstead,  Goswell y McCutcheon, grupo que a día de hoy permanece en activo.

Nueve años después de esta disgregación, otro de los "ex-Slowdive" (el batería  Simon Scott) creó en al que sería su su pseudónimo transformado en grupo: Televise. Este nuevo proyecto inició su camino en el año 2004 con la publicación de dos singles (Smile & Outside Out) que obtuvieron una buena acogida por la prensa musical, y que sirvieron de aperitivo para la publicación de su trabajo debut: Songs to Sing in A&E. Este cálido debut se puede considerar como un homenaje, un leve "revival" adaptado a la nueva década de lo que en su día fue la esencia de Slowdive: melodía, ambiente, sutileza, texturas y texturas de guitarra y sonidos electrónicos.

Una vez más nos  hallamos ante un trabajo totalmente desconocido, que aunque no es sobresaliente, si que se puede considerar como un gran ejercicio creativo que nos transporta a la última década del siglo XX, y que a más de un sohegazer nostálgico le arrancará una buena sonrisa.

Nota: 7 (Sobre 10)

Leer Televise : Songs to Sing in A & E en Don´t Kill the Muzic !

¡No seas Idiota! (Mensaje para aquellos fans que fueron defraudados).

Permitidme,a modo introductorio, que realice un Flashback. Estamos a principios de los 90, una época en la que empiezan a despuntar un gran número de tendencias musicales alternativas, algunas gestadas a finales de la década de los 80 y otras claramente influenciadas por movimientos que tienen su origen a finales de los 70. En esta época convulsa para el pop y el rock alternativo reaparece un movimiento iniciado en los Estados Unidos que sería etiquetado como Punk-Rock, pero que etiquetas a parte, nada tenía que ver con con los principios ideológicos de aquel Punk-rock de finales de los 70 y que fue abanderado por grupos como The Ramones, The Clash, New York Dolls, Stooges o Sex Pistols.
Entre los grupos de esta nueva hornada existieron dos que saltaron directamente de los circuitos independientes al mainstream (véase Offspring y Greenday), vendiendo millones de discos y apareciendo repetidamente en la MTV, un símbolo inequívoco de la filosofía Punk (si, estoy siendo irónico). Este gran salto multimillonario que Green Day realizó en 1994 se lo deben a su tercer trabajo, llamado Dookie, punta de lanza de su carrera que fue menguando en éxito y ventas trabajo tras trabajo, según maduraban y se alejaban de la sonoridad punk-comercial tan de moda durante la década de los 90.
Necesitaron de una década para volver a crear un trabajo que aunara esa madurez de la que hicieron gala durante su etapa "desconocida" con la repercusión comercial desorbitada, y eso lo consiguieron con la publicación de American Idiot. Este notable trabajo fue tildado por mucho de sus seguidores como un trabajo "vendido" debido a su gran éxito comercial, un echo que me sorprende y me produce gran hilaridad (me descojono, vamos) ya que Green Day se ha caracterizado siempre por ser un grupo "multiventas", anclado a la gran maquinaria de la MTV y a las grandes discográficas ( ha llegado a vender más de 45 millones de discos a lo largo de su carrera).

Si dejamos los problemas existenciales de algunos seguidores de la banda a un lado (mensaje para los que vivíais engañados: Green Day siempre ha sido COMERCIAL), podemos decir que American Idiot (título que hace alusión y mofa del programa estadounidense American Idol, aquí Operación Triunfo) es ,a nivel personal, el mejor trabajo que han publicado en toda su carrera.
La ideologia de este trabajo se sustenta en el desconcierto y la pérdida de rumbo de la sociedad estadounidense tras los ataques del 11-S. El trabajo esta estructurado como si fuese una ópera Punk-Rock,un disco conceptual en la cual se nos explica la historia de la infructuosa huida de Jesus of Suburbia, un joven "Yanki" que aborrece la manipulación que los medios audiovisuales realizan sobre el pueblo americano para "tapar" la mala administración del gobierno de George W Bush tras la invasión de Iraq, lo cual conlleva a una visión estereotipada de un pueblo estúpido gobernado por un pueblerino aún más estúpido.
Musicalmente no encontraremos nada que Green Day no nos hayan presentado hasta ese momento: predominio absoluto de Punk-Rock al que nos tienen acostumbrados pero producido elegantemente, lo que dota al trabajo de una sonoridad conocida para los seguidores de la banda pero más limpia y musculada, un factor que lo acerca aún más a las masas, sin que este echo pueda desmerecer el resultado final de un trabajo notable (que no excelente).

El que crea que el contenido de American Idiot va de transgresión, ausencia de dogmas, lucha versus la autoridad, los medios, la sociedad establecida y del "No Future" que siga buscando...

Nota: 8 (Sobre 10)

Leer Green Day : American Idiot en Don´t Kill the Muzic !

Como parecer un "Indie" Británico sin serlo realmente.

¿Longwave? ¿Quienes?

Si, otro grupo de la escena “indie” que para muchos lo conocen en su barrio (para más señas Brooklin, NY) y poco más. Pero una vez más lo desconocido no deja de ser sorprendente, y en este caso un grato aunque arduo descubrimiento. Tras fichar por una multinacional y firmar uno de los mejores trabajos de la escena Indie de 2003, Longwave necesitaba lo que pocos grupos han conseguido a lo largo de su carrera: crear su trabajo de confirmación absoluta para intentar dar el salto al “mainstream”. Mientras el segundo trabajo estaba en proceso de gestación, la formación inicial de este cuarteto neoyorquino sufrió una escisión quedándose dos de sus miembros iniciales en el camino, lo cual supuso la pérdida de parte de las cualidades creativas de la banda.

Tras grabar con músicos de estudio para suplir sus dos bajas de la formación inicial, Longwave publicó el que sería su tercer trabajo: There´s a Fire. Cuando escuché este trabajo por primera vez me di cuenta que me encontraba ante un álbum que muestra un claro ejemplo de dualidad, de matices claro-oscuros, y férrea búsqueda de identidad. Si con Strangest Things el brillante trabajo predecesor este cuarteto parecía un grupo de ideas claras, con There´s a Fire pasaron al posible potencial que nunca llegaron a desarrollar. Me explico, nos encontramos ante un trabajo poco brillante que nos muestra el potencial y la claridad de la banda en algunos cortes (“Heart Attack”, “River”, “Fall on every Whim” y “Underneath”), pero por desgracia también nos muestra su inmadurez y falta de consolidación, necesitando de el anclaje urgente de sus influencias musicales para poder sacar el resto de temas adelante. De esta manera encontramos canciones con recuerdan en demasía a sus antecesores, véase Ride, Swervedriver, The Verve e incluso Radiohead (“Down in Here” parece una cara B sacada de cualquier disco de Radiohead de la era post Ok Computer), pero finalizadas sin la brillantez que estos grupos dieron a sus temas. ¿El resultado de este embrollo? Canciones de corte Pop británico que repiten la fórmula que todos hemos oído millones de veces y que nos recuerdan al sonido de la época dorada del Britpop de grupos como Blur, Embrace o Pulp.

Tras esta menestra de ideas, a uno le queda la sensación de que Longwave intentó destruir su etiqueta americana para cambiarla por su ansia británica, creando un trabajo que pasará a la historia de la música como uno más del montón, es decir, sin pena ni gloria.

NOTA: 6 (Sobre 10)

Leer Longwave : There´s a Fire en Don´t Kill the Muzic !

Cuando el sonido es capaz de producirte asfixia.

En muchas ocasiones un ejemplo (al igual que una imagen) vale más que mil palabras. Hace unos días, uno de los miembros de esta comunidad virtual (Benny Blanco) realizó un magnífico, breve y resumido ensayo que en el que nos recordaba la inmundicia sonora que es el formato mp3 (magnífico para la vida callejera, eso sí) a comparación de otros formatos físicos como pueden ser el Cd, Vinilo o el Superaudio Cd. Es decir, que si escuchas tu canción preferida en tu reproductor de mp3 y luego le das un repaso en un buen equipo HI-FI a muchos le sorprendería la cantidad de matices sonoros que se estaba perdiendo.

Esto que he mentado en el párrafo anterior a modo de introducción es precisamente lo que pasa con el segundo trabajo de los desconocidos, minoritarios y probablemente olvidados Air Formation. Este ambiental trabajo (titulado Stay Inside, Feel Everything) es el típico disco que necesita de un buen equipo Hi-fi y de su soporte original para ser disfrutado y apreciado en su totalidad. Cabe decir que este no es un trabajo para las masas, ya que su música dista mucho de ser directa y fácil de digerir, al igual que ya hicieran sus antecesores (véase Slowdive, Jesus and the Mary Chain o Ride) con su sonido Nu-Gaze /Dreampop. Efectivamente, estos cinco músicos no han descubierto nada nuevo, no han sido los hombres que pisaron la luna por primera vez, y únicamente recalcan una fórmula minoritaria que tuvo su momento de esplendor a principios de los 90, pero saben lo que hacen y diría que  se han laureado “cum laude” en el máster del sonido ambient- Shoegazing.

Nos encontramos pues con un trabajo intenso y completo, lleno de capas y capas guitarras distorsionadas pero suaves entremezcladas con etéras voces que se pierden en la estancia, creando una intensa, compleja e hipnótica explosión sonora que sumergirá a vuestro cerebro en una atmósfera asfixiante y saturada. Intensidad, asfixia, levitación... tres adjetivos que aparecen en mi mente cada vez que aprieto el botón de “Play” de mi equipo de música y aparecen los primeros compases de esta magnífico ensayo sobre el cómo exprimir el sonido de ese instrumento de seis cuerdas cuando es bañado bajo los pedales de efectos y distorsión.

Ya lo apostilla el  título de este trabajo: Stay inside and feel everything, manteneos dentro de su sonoridad, y os aseguro que seréis capaces de sentirlo todo.

Nota: 7'5 (Sobre 10)

Leer Air Formation : Stay Inside, Feel Everything. en Don´t Kill the Muzic !

Empalagoso y Fallido Debut.

La vorágine del Brit-Pop daba sus últimos coletazos tras su estallido y esté se dirigía inexorablemente hacia su eclosión. Posiblemente esta fuese la razón por la cual las discográficas británicas, en un fallido intento por mantener el ya moribundo estallido de esta corriente, buscaban con ansiedad a nuevos grupos que lograsen mantener el "tirón" mediático que grupos como Blur o Oasis habían inaugurado 6 años atrás.

En esta época de clara muerte y cambio de tendencias, los entonces desconocidos Embrace (quinteto formado en 1996 por los hermanos McNamara) publicaron "The Good Will Out" su primer LP (Long Play). Este es un trabajo que aunque sigue al milímetro el patrón del sonido Brit resulta mediocre, ya que se establece como un compendio o refrito de tonalidades típicas del sonido Brit-pop, llegando a copiar descaradamente y milimétricamente el estilo que Oasis (otro grupo en larga y agoniosa decadencia) popularizó a mediados de los 90. Pese a esta burda copia o este ejercicio de clara falta de imaginación "The Good Will Out" llegó a ser número 1 en las listas del Reino Unido en 1998, algo que me parece inexplicable (a menos que se explique con lo que apostillo en el primer párrafo), ya que este álbum es monótono, repetitivo, empalagoso, carente de intensidad y de buenas ideas.
Pero fue tal el éxito de su debut que Embrace mantuvo esta monótona fórmula a sus trabajos posteriores "Out of Memory" y" You´ve Never Been", dos adefesios musicales que supusieron el carpetazo final de una tendencia moribunda y condenada a los libros de la historia musical contemporánea. Condenados al olvido y a punto de desaparecer, Embrace necesitaría de 2 años de árduo trabajo para resurgir "Out of Nothing", un magistral ejercicio de "revival" de aquel estilo que marcó la década de los 90, aunque esto ya es otra historia.

Hace años que no escucho "The Good Will Out", y el único recuerdo que guardo con intensidad sobre este trabajo es que cuando lo compré en 1998 esperaba algo diferente (por las críticas que había leído) y casi me tiro de los pelos por haberme gastado 2600 pesetas de aquel entonces. Si Last .fm hubiese existido antes... esto no habría pasado.

Nota : 2'5 (Sobre 10)

Leer Embrace : The Good Will Out en Don´t Kill the Muzic !

Cuando los Indies vencieron de nuevo.

Este es uno de los grupo atípicos de la escena actual, es decir, les importa más bien poco que llueva o que haga sol, que vendan o no vendan sus trabajos, que las críticas sean buenas o no tan buenas (aún no he visto una crítica negativa de alguno de sus trabajos)... Quizá la palabra correcta para poderlos definir a este trío californiano sería perseverancia, ya que tras 14 años de carrera han editado mediante un goteo constante 11 trabajos de estudio (casi una entrega por año), gracias a la prolífica mente del alma matter del grupo Jason Martin.

En sus inicios Straflyer se caracterizaron por su estilo agitado y abrasivo, muy cercano al Shoegazing afilado que se hacía en los Estados Unidos, pero su música fue evolucionando hacia un sonido pop-rock elaborado y cálido tras la publicación de “The Fashion Focus” (1998) hasta conseguir pulir esta magnífica fórmula en el trabajo que hoy tengo en honor de mentar : “Everybody Makes Mistakes”.

Para esta obra, publicada en 1999, Starflyer se adentraba definitivamente en el mundo del Rock Indie adecentado con sutilezas pop de calidad dedicada. En “Everybody makes mistakes”  encontramos melodías hasta entonces experimentales para el grupo, ya que tras la rabia de sus inicios pasaron a un sonido que se centraban en un cuidado exquisito de los arreglos de cuerda (arpa, violín, violonchelo) colocados tras la introducción de elementos relativamente inéditos para ellos como los órganos y el piano para dejar de trasfondo sobre la ensoñadora, suave y melódica voz de Mr Martin.

Cálido, cuidado, clásico... este trabajo tan extraño en relación a lo que Straflyer había publicado hasta el año 1999 se convirtió, directamente, en una de las mejores creaciones de Starflyer y en uno de los mejores trabajos de la escena Indie del siglo pasado. Como reza el título de este trabajo: todo el mundo puede fabricar mentiras, es cierto, pero no todo el mundo puede crear un disco tan delicado como este.

Nota: 7'5 (Sobre 10)

Leer Starflyer 59 : Everybody Makes Mistakes en Don´t Kill the Muzic !

Sorprendente y desconocida diferencia.

¿Qué es lo que pasa cuando mezclas en mismo trabajo sonido Inde-Pop de calidad, una pizca de reminiscencia shoegazer  y lo acabas de conjuntar con gotas de aquel pop de los 60 que inmortalizaron grupos como The Beach Boys? Pues que encontrarás ante un cóctel refrescante, con cuerpo, bien mezclado y con un gran  sabor, nuevo y sorprendente.

Todo esto es lo que guarda el segundo Long Play de los estadounidenses  The Broter Kite. ¿Perdone, quiénes ha dicho? Si, lo sé, a estos cinco los conocen en su pueblo (cómo dirían en mi barrio) y no entiendo muy bien el porqué. Os puedo asegurar que no nos  encontramos ante otro grupo del montón, sino todo lo contrario ya que The Brother Kite  no sólo suenan frescos sino que sorprende que un grupo “amateur” que editó su primer trabajo en una pequeña discográfica, que por supuesto no tenía los estudios de grabación de EMI o Poligram, por poner un ejemplo,  hayan podido crear un segundo trabajo tan PROFESIONAL (con mayúsculas) cuidado y mimado al detalle, debiendo tener en cuenta que ellos mismos se encargaron de la grabación y producción de esta pequeña joya.  Para este segundo trabajo (para mi uno de los mejores discos editados en el año 2006) el quinteto estadounidense decidió madurar su sonido desde el Nu-gaze /Shoegaze de sus inicios (dejando, eso sí, algunas reminiscencias) para pasar a un sonido más elaborado, maduro, dulce y al vez explosivo.

Lo primero que te sorprende al escuchar este trabajo es la dulce voz de Patrick Boutwell  acompañada y orquestada por elaborados  coros que te transportarán hacia el pasado, dándote un aire de añoranza, llevándote hacia la sonoridad de aquellos magníficos Beach Boys de la década de lo XX, todo ello entremezclado con elegantes guitarras de reminiscencia Shoegazer, percusión, bajo y órgano que consiguen elaborar un pop-rock totalmente cuidado al milímetro, orquestado con mimo y maestría y que es capaz de arrancarte un sonrisa, algo que pocos trabajos consiguen en una actualidad masificada por fórmulas repetidas hasta la saciedad y sustentadas en el marketing más salvaje.

Como si de un diamante se tratase, Waiting for the time to be Right es un sorprendente trabajo que cuesta de encontrar, es uno de esos regalos que aparecen tras navegar y bucear por la red durante días y que con toda seguridad no lo veréis en la sección de novedades de vuestra habitual tienda de discos al lado de los artistas “enlatados”,  listos para comer y eliminar…  En la diferencia esta el gusto.

NOTA : 9 (Sobre 10)

Leer The Brother Kite : Waiting for the Time to be Right en Don´t Kill the Muzic !

Retorno a la palestra con pólvora mojada.

Desde hace ya algunos años, escuchar cada nuevo trabajo que los Irlandeses U2 publican me supone un esfuerzo considerable. Posiblemente esto se deba a pura pereza, a desinterés o simplemente se deba a que me han defraudado ya tantas veces desde que publicaron el megalomaníaco POP (1997) que ya no espero nada especial de ellos, y no estoy dispuesto al consiguiente desgaste de tiempo que conlleva el dar reiteradas oportunidades (a través de repetidas escuchas) a sus nuevas creaciones. Por estas razones he tardado más de dos meses en escuchar el último trabajo de U2, un tiempo que me ha servido para “cogerle ganas” al regreso de los irlandeses tras cinco años de silencio.
Antes de mi primera escucha de “No Line on the Horizon” había leído las declaraciones de Bono & Cia en las cuales apostillaban que su nuevo trabajo era lo que supuso en su día la publicación del impresionante Achtung Baby: evolución, cambio, novedad, magia… en definitiva y según sus declaraciones : música que llegaba de otra galaxia. Quizá llevado por estas afirmaciones la primera impresión que me transmitió la escucha del nuevo “hijo” del cuarteto irlandes fue algo semejante al tongo: ¿Dónde narices esta la evolución que me habéis prometido?

Hace ya años que U2 bajó de los altares de la maestría y el riesgo (concretamente la última vez que estuvieron en él fue con la publicación de Zooropa, allá por 1993) y por todos es sabido que desde hace años son dinosaurios del Rock que buscan desesperadamente el no repetirse (algo que es de admirar), o eso es lo que a priori gritan a los cuatro vientos pero luego no hacen. A este factor le sumaremos la evidente la pérdida de capacidad vocal de Bono trabajo tras trabajo (una voz decadente que suena a vieja con falsete y que queda lejos a la que tenía a principios de los años 90) y también le sumaremos la repetición trabajo tras trabajo de los pasajes sonoros salidos de la guitarra de The Edge, el cual se dedica en la actualidad a copiar aquellas texturas sonoras de magnífica evolución que caracterizaron a los U2 de los primeros 15 años.
Otro elemento a añadir a este popurrí sonoro es la producción (magnífica, eso si) de los genios Daniel Lanois, Brian Eno y Steve Lillywhite con los cuales colaboran desde 1984 y que posibilitaron que U2 fuesen tan grandes en el pasado y ahora tan reiterativos y cansinos. Se nota (y mucho) que Brian Eno y Daniel lanois son co-autores de 7 de las canciones del nuevo trabajo. Me explico: este último trabajo es mucho más elaborado y denso que sus predecesores (Atomic Bomb o All that you can´t leave venid), pero si prescindimos del exceso de producción de las canciones encontraremos lo mismo que U2 nos ofrece desde hace 12 años: Grititos del Bono actual intentando emular al Bono del pasado, estribillos y coros que nos recuerdan en demasía a cualquier trabajo de sus primeros años, guitarras que emulan a las que podemos encontrar en trabajos como War, The Joshua Tree , Atomic Bomb… Todo lo que posee este nuevo trabajo parece nuevo e innovador, pero tras unos minutos de escucha el oyente percibe que volvemos a estar ante un popurrí sonoro (como ya encontramos en su trabajo antececesor) pero con un exceso de producción que intenta enmascarar (de manera fallida) la gran mentira. Pese a tanto desajuste crativo-sonoro cabe destacar el magnífico trabajo que han realizado con la línea de bajo de cada una de las canciones., nunca había escuchado a Adam Clayton tan en forma.

Tras las sucesivas escuchas me he dado cuenta de como toma relevancia el signo de “=” de la portada de este trabajo , y no porque la portada haya sido plagiada (la utilizó Taylor Deupree para un trabajo que publicó en el año 2006,) sino porque una vez más Bono ha pecado de grandilocuencia y ha demostrado su megalomanía y narcisismo al gritar a los cuatro vientos el gran cambio de U2, el nuevo giro de tuerca al sonido de la banda cuando en realidad lo que nos han vendido es lo mismo de siempre, eso si, megaproducido excelentemente por tres genios de las tablas de mezcla.
Sin línea en el horizonte, sin ver el fin del camino, los dinosaurios del Rock continuarán haciendo aquello que más les gusta: hacer música, algo que respeto y admiro, algo que a la prensa “especializada” les encantará para su regodeo y unto, algo que a mi me dará igual, ya que este trabajo me ha defraudado definitivamente.
Posiblemente sea ya la hora de que U2 se tornen humildes y dejen de vender humo, demasiados años llevan oliendo a chamusquina.

Nota : 4 (Sobre 10)

Leer U2 : No Line on the Horizon en Don´t Kill the Muzic !

La Excepción que confirma la Regla...

Hace unos meses leí una entrevista realizada Álvaro Urquijo (Los Secretos) en un periódico de tirada nacional. En dicha entrevista reafirmaba un pensamiento que siempre he tenido: que la Movida Madrileña, ese movimiento contracultural y underground que luego se extendió por las principales capitales del país y que se estableció durante la década de los 80, era un movimiento que al día de hoy se había mitificado totalmente, siendo en realidad una contracultura que en su día olía a “sobaquina”. Cuatros años antes de esta entrevista, Joaquin Niki (letrista de Los NIkis, otro mítico grupo de la Movida) postulaba que dicho movimiento cultural era “Naif y Cutre” y que tanto revival de aquellos años realizado en la actualidad era sobrevalorar lo que en realidad llegó a a ser todo aquel despertar. Estos dos postulados coinciden en lo que yo siempre he pensado, en parte, sobre toda aquella cultura, ya que aunque siempre me ha parecido muy Kitsch también he sabido reconocer el mérito de “La Movida como un instrumento de escapa en dirección contraria a la de aquella España post franquista, una huída de la cultura establecida para así poder modernizar el país (con el apoyo, en algunos casos, de algunos políticos socialistas).

¿La diferencia respecto a los gurues de la música occidental? Mientras que en el Reino unido o en los Estados Unidos la sonoridad Pop y el posterior sonido Madchester revolucionaban la cultura musical popular, en España se intentaba hacer lo mismo pero “con cuatro duros” y con resultados, en la mayoría de casos, mediocres. Es por esta razón que la mayoría de aquellos trabajos musicales publicados en los 80 resultan en la actualidad tremendamente desfasados y, en la mayoría de casos , de triste calidad. Si, es verdad, con el paso de los años todos recordamos excelentes singles que fueron hits directos y que permanecen en nuestra memoria colectiva, pero pocos discos superarían hoy el listón de trabajos míticos. Y entre estos pocos trabajos mencionados existe uno que brilla con luz propia, y que supuso un antes y un después para la música de este país: La Canción de Juan Perro.

Nos encontramos en 1987, los hermanos Luis y Santiago Auserón junto con el guitarrista Enrique Sierra deciden cambiar, una vez más, el rumbo del sonido de Radio Futura. Para este nuevo trabajo (ya sin su batería de toda la vida que deja el grupo por desavenencias sobre este nuevo rumbo sonoro) los hermanos Auserón y Enrique Sierra deciden volver al sonido en si, a lo básico, huyendo de la experimentación barroca y recargada del experimental “De un país en llamas”, publicado dos años antes. Para la creación de esta obra maestra de la música española, Radio Futura deciden grabar el disco en los estudios Sigma Sound de New York y así grabar con la mínima tecnología posible (al contrario que su trabajo predecesor) con el fin de volver al desnudo, a lo básico , a la esencia de los ritmos clásicos del Rock, Pop, R&B, Jazz y la sonoridad de lo que hoy se conoce cómo música latina. Esto es lo que esconde este magnífico trabajo, diferentes estilos milimétricamente conectados entre sí y bordados a mano con unas letras magníficas, salidas de la cabeza de ese antiguo estudiante de Filosofia de la Universidad de la Sorbona que un día cambió las clases por los estudios de grabación y que gracias a ello creó (junto a sus compañeros de viaje Luis y Enrique) la piedra angular de la música contemporánea de nuestra historia reciente. Y es que esta magnífica obra que destila calidad, sabe a calidad y huele a calidad, supuso un punto de inflexión para los grupos y artistas de este país que tomaron a “La canción de Juan Perro” como el ejemplo de cómo hacer un trabajo magistral que además fuese un éxito de ventas (de él salieron hasta siete singles) y que aunara las alabanzas de público y crítica.

Gracias a esta magistral obra de 41 minutos de duración el mundo musical de la famosa y mitificada “movida” puede mantener la cabeza alta, orgullosa de haber sido espectadora de la creación del disco más importante de la década de los 80 en nuestro país y uno de los trabajos imprescindibles de la música contemporánea.

Nota: 9'5 (sobre 10)

Leer Radio Futura : La Canción de Juan Perro. en Don´t Kill the Muzic !

Como crear al Hermano Bastardo de Siamese Dream.

El nuevo milenio acababa de comenzar, y con él apareció el principio del fin para el grupo de Rock “alternativo” que se erigió como el más importante de los últimos 20 años. Importante por su cantidad y calidad de material publicado, importante por sus ventas millonarias (de ahí lo de alternativo entre comillas) e importante por su evolución musical e influencias para otros grupos. Tras 10 años de meteórica carrera, Billy Corgan (alma matter del grupo) decidía poner fin a la vida de Smashing Pumpkins con una gira de despedida a nivel mundial (aún se me pone la piel de gallina cada vez que recuerdo el concierto que dieron en Barcelona).
Esta acelerada disolución tenía una estrecha relación con las tensiones que el grupo siempre había vivido por las adiciones de sus miembros a todas las drogas conocidas sobre este planeta, Este echo (la adicción a la cocaína de la bajista D´Arcy y del guitarrista James Iha) fue denunciado cínicamente por Billy Corgan como uno de los motivos de ruptura, y digo cínicamente por que las malas lenguas lo señalaban como uno de los mayores consumidores del grupo.

Tras este adiós, Corgan decidió dar continuidad a su fértil creatividad con ZWAN, tomando de la mano a uno de los mejores percusionistas de Rock de todos los tiempos (el también ex –Smashing Pumpkins Jimmy Chamberlin) y a su amigo de toda la vida, el guitarrista Matt Sweeney (antiguo líder de la banda Chavez). Para finalizar de crear esta formación se añadieron el guitarrista David Pajo (ex Stereolab) y la bajista Paz Lechanin. Con esta nueva formación, Bily Corgan mostraba al mundo como sus antiguos fantasmas el pasado desaparecían para dar paso a la camadería y a la armonía casi mística que desprendía el nuevo quinteto, el cual que tras una breve gira por California dio el paso a la grabación de primer (y último) trabajo de estudio : Mary Star of the Sea.
Con este disco, Corgan intentó recuperar el espíritu del aclamado Siamese Dream (publicado en 1993 por su antigua banda), algo que no consiguieron ni de lejos pese a que la fórmula poseía los ingredientes correctos: guitarras distorsionadas y rasgadas con punteos o solos casi imposibles y percusión de coordinación / variedad inusual en un grupo de rock, traída directamente de otra galaxia y unida milimétricamente a una línea de bajo realmente elaborada. Pero el resultado de tan milimétrico experimento se quedó diluido debido principalmente a la avaricia del propio Billy Corgan. En esta época era un secreto a voces que el antiguo genio de Smashing Pumpkins buscaba desesperadamente lo que había conseguido con esta formación años atrás gracias a dos grandes trabajos como lo fueron Simaese Dream (1993) y Mellon Collie (1995). Estos trabajos encumbraron a Corgan a los altares del Rock gracias al reconocimiento absoluto de toda la crítica musical, al reconocimiento del público y gracias a unas ventas millonarias, un trinomio no existente en la linea vital de Smashing Pumpkins a partir de 1996. Esta fue la razón por la cual reclutó a dos grandes guitarras-icono de la escena Indie y del Metal Gótico :para crear un trabajo que repetía la fórmula que tanto éxito le había dado 10 años atrás tratando de unificar el gusto de estas dos audiencias, pero el resultado se torno fallido ya este grandilocuente trabajo se desinfla tras varias escuchas al estar lleno de eternos clichés alternativos y de pasajes que nos recuerdan en demasía a aquel maravillosos Siamese Dream, pero en versión monocromo.

La sentencia de Mary Star of the Sea es equiparable al resultado que obtendríamos al bebernos un cortado descafeinado con leche desnatada si tenemos un paladar acostumbrado al Cappucchino: Ambos son de la misma família, pero uno de ellos es un bastardo.

Nota: 6 (Sobre 10)

Leer Zwan : Mary Star of the Sea en Don´t Kill the Muzic !

Cuando la espera te defrauda.

Si, lo sabia, sabía que podía pasar... y así ha pasado. Debe ser parte de la condición humana, o quizá del capitalismo, o vaya usted a saber. Pero si uno espera con enfáticas ganas la llegada de algo (un viaje, una fecha o un disco como ha sido en esta ocasión) corre el riesgo de que la espera idealice el momento y este quede deslucido a su llegada.
Pues bien, esto mismo es lo que me ha pasado con este trabajo de los estounidenses Highspire. Quizá es la crisis de los 30 (que creo que no tengo, todo sea dicho) pero últimamente me dedico a bucear horas y horas en busca de nuevos grupos que naveguen fuera de los circuitos comerciales y que recojan el testigo de la escena alternativa de los 90. Los hay a patadas, la mayoría prescindibles, unos pocos realmente excelentes y otros inicialmente prometedores para pasar a ser claramente defraudantes.
La primera vez que escuché a Highspire fue gracias a un minoritario blog ruso (me pregunto yo cómo llegué hasta él) escondido en el mar de internet, que había colocado unos samplers de 30 segundos de los 13 temas que componen su disco debut. La verdad, la escucha hizo que me diese de bruces con un soplo de aire fresco (que digo soplo… eso era un puñetero huracán) y ello me llevase a buscar y rebuscar su disco por internet. Tras semanas de navegación di por fin con una pequeña tienda on-line de Pensilvania que lo vendía a un precio razonable. Lo compré y tras 3 semanas me llegó a casa. Era como un niño pequeño… que ganas le tenia a este trabajo, joder, sonaban tan bien los samplers “colgados” en aquella web...
Lo metí en mi equipo de música, y tras cuatro escuchas la hiperventilación inicial, la piel de gallina y la sequedad de boca (que subidón de adrenalina llevaba) desaparecieron y dieron paso a la modorra y a un triste pensamiento: Me han defraudado.

¿Pero quienes son Highspire? Higspire es un grupo “made in Pennsilvania” que recogió el testigo de la escena alternativa nu-gaze /indie /dreampop de principios de los 90 y la modeló bajo la huella del shoegazing y la escena electrónica. Sus influencias son claras : Ride, My Bloody Valentine, algo de Slowdive o quizá Lush pero adecentado bajo una base electrónica muy sutil. Tras varias escuchas en profundidad se les ha de reconocer el mérito: estos 4 tios saben trabajar para conseguir una sonoridad magnética y poco directa: aplican capas y capas de sonido guitarrero , algunos tintes de música electrónica y gotitas de sondo ambient para crear una atmósfera totalmente envolvente, compleja, asfixiante y explosiva.
Entonces.. ¿Donde esta el problema? En la reiteración y la extensión. Todo empieza con mucha fuerza, como si estos cuatro tíos adivinasen dónde colocar las notas para conseguir que el oyente tenga una sensación eléctrica, pero la repetición sonora de las mismas texturas una y otra vez a lo largo de cada pista acaba por cansar a uno. Este seria un disco realmente notable si se hubiese recortado la duración de los temas (y todo sea dicho, si se hubiesen suprimido las 4 pistas finales), ya que el problema reside en el binomio duración-repetición, es decir, la mayoría de los temas empiezan con fuerza pero esta fuerza se diluye al repetirse una y otra vez la misma composición como si de un “loop” se tratase.

Your Everything… otro trabajo que pasará mi sección de aquellos grupos que “pudieron” pero no lo consiguieron, otro disco que se convierte en uno más del montón o bien otro ejemplo que nos muestra que las verdaderas joyas son pocas y cuestan de encontrar.

Nota: 5 (Sobre 10)

Leer Highspire : Your Everything. en Don´t Kill the Muzic !

Cuando acaban los fuegos artificiales y te quedas a oscuras.

Toda historia de amor tiene su final, algunos de ellos se tornan tristes y otros felices. Pero también existe una tercera opción para ese final, cuando todo acaba y uno se queda con un cierto regusto agridulce y lleno de melancolía.

Mi historia de amor con Catherine Wheel (que no es una bella dama, sino un fuego artificial que da el nombre a un cuarteto británico alternativo) se inició en mi adolescencia gracias a los compases de uno de sus primeros singles, el memorable “Black Metallic “. En efecto, ese gran tema me hizo buscar desesperadamente su primer trabajo (Ferment) por todas las tiendas de Barcelona, hasta que por fin lo pude encargar como artículo de importación. Me bastó una escucha para darme cuenta que esos tíos eran (con perdón) la ostia, aunaban con magistralidad efectos de guitarra, distorsión y melodía, un trinomio que hasta ese momento ningún grupo alternativo de la época me había mostrado aun.
Un año después llegó "Chrome", su segundo trabajo, una obra difícil de describir, que te lleva al climax, te deja en babia o en el séptimo cielo y que aún hoy (16 años después) me sigue pareciendo uno de lo mejores trabajos de la década pasada. Pero los años fueron pasando, y al igual que yo fui madurando ellos también lo hicieron. Esta madurez se inició con "Happy Days" (1995), trabajo que supuso su primer altibajo y mi primer desencanto con la consecuente pérdida de idealización de aquel amor que ahora ves como humano, con sus virtudes y carencias. La reconciliación llegaría en 1997 con su cuarto trabajo de estudio: Adam and Eve. Esta reconciliación fue difícil, ya que tanto el grupo como yo habíamos madurado y nos reencontrábamos tras una ruptura con cierto recelo y sin tanto “subidón” hormonal. Pero el tiempo lo puso todo en su sitio, y este trabajo elaborado y progresivo consiguió hacerme saltar, emocionarme… y llevarme de nuevo al limbo.

Pero un día... tristemente todo acabó. El inicio del Nuevo siglo supuso la aparición del que sería su ultimo trabajo, titulado Wishville, y ello llevó a que en ese momento se acabase nuestra historia de amor físico. Con Whishville Catherine Wheel murió como grupo y como creatividad y a mi me quedó un regusto agridulce y cierta melancolía que me evocaba hacia los Buenos tiempos.
Cuando uno escucha este escueto y mediocre trabajo, le cuesta de creer que este cuarteto inglés fuese tan excepcional, tan jodidamente fértil, con un criterio de evolución musical tan coherente y bien definido. Y es que con el nuevo siglo lo perdieron todo por el camino, perdieron a su bajista de toda la vida y lo reemplazaron por otro realmente mediocre, perdieron las buenas líricas presentes en su primeros trabajos, y perdieron esa sonoridad tan especial, sugerente y evolutiva que los definía. ¿El resultado? Un trabajo llano, desmotivado y gris, un ejercicio de Rock recto y aburrido que intenta emular a su elaborado predecesor (Adam and eve) pero que nos muestra el desgaste de un gran grupo que durante casi una década se mantuvieron por reconocimiento y ventas en la escena underground pero que hoy es una banda de culto y admiración por muchos de sus semejantes debido a su saber hacer y a su evolución sonora.

Aquí yace Catherine Wheel, como todo fuego artificial su pólvora se agotó, y la rueda se detuvo de por vida.
Pese a ello... gracias chicos, vuestra música me acompañará siempre, aunque os eche de menos.

Nota : 6'5 (Sobre 10)

Leer Catherine Wheel : Wishville en Don´t Kill the Muzic !

En el país de los ciegos... el tuerto es el Rey.

Una vez más nuestra lengua, rica en sabios refranes populares, me va como anillo al dedo (ahí va otro…) para definir el último trabajo de los británicos Air Formation. Este quinteto afincado en Sussex es un desconocido heredero de aquellos jóvenes que a principios de los 90 tomaron el relevo de la música pop pasándola por el filtro de las texturas etéreas / ambient gracias a la creativa sonoridad que imprimieron a su sonido utilizando como herramienta las guitarras. Aquellas nuevas texturas sonoras fueron etiquetadas en su dia como el sonido Dream Pop, y por ello Air Formation tiene como referencias evidentes en su musicalidad a los míticos Slowdive, My Bloody Valentine, una pizca de Ride y de los Primeros Catherine Wheel y algunos toques de Lush.

¿El Resultado? Tenemos a cinco jóvenes haciendo aquello que les gusta , sin someterse a modas, tendencias y artificialidades comerciales (algo digno de mención). Posiblemente por ello , a este grupo (como dirian mi barrio) los conoce su madre y poco más, y eso es debido a que son la herencia de grupos que en su día no salieron de la escena “underground”, y no por falta de calidad (que la tenían) sinó por ser poco directos, precisando de varias escuchas para apreciar la complejidad y belleza de sus composiciones.
La profundidad… este es el patrón que sigue Daylight Storms , el último trabajo que hoy tengo el honor de mentar y que como rezaba en el título es un tuero en un país de ciegos. Tenemos un LP (véase Longplay: aquel trabajo con una duración mínima de 30 minutos ) de 10 pistas que “cojea” en sobremanera en 3 de ellas, restando magia y encanto al resultado final. Por ello, si este trabajo se hubiese editado sin estas tres pistas y saliese en formato de EP (Extended Play: aquel trabajo con una duración entre 10 y 28 minutos) hubiese sido, posiblemente, el mejor trabajo de esas características publicado en 2007.

¿Pero que es lo que encontramos en este disco? Para aquellos que nunca hayan escuchado algú trabajo de Dream Pop se encontrarán con atmósferas poco directas, tan típicas del Pop tradicional, encontrándose con una borrachera de éter y Vodka… es elevarse, flotar, perder el equilibrio, la gravedad, dejarse llevar por voces suaves y cercanas a un susurro envueltas por muros de guitarras que llenan completamente el espacio o estancia en la que escuchas el trabajo… todo ello acompañadas por una percusión acentuada que se contrapone con la ensoñación de las guitarras.

Una vez más… la creatividad esta reñida con la comercialidad por falta de accesibilidad, por vagancia, por hacernos creer que sólo aquello que es cómodo para nuestros oídos (aquello que nos “entre” en la primera escucha) es lo que vale porque es fácil de vender. Que gran error… ellos se lo pierden.

Nota: 6'5 (Sobre 10)

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Néapolis, o la historia de cómo revolcarse en el fondo del abismo.

A mediados de la década de los 80, mientras Ronald Reagan se divertía jugando a la “Guerra de las galaxias” con su homólogo ruso, los escoceses SIMPLE MINDS triunfaban en el mundo del comercio musical, vendian millones de discos y llenaban los estadios de todo el mundo.
Cabe decir que para entonces Simple Minds era ya un grupo de largo recorrido, llevaba desde 1979 en el negocio de la música y había publicado hasta la fecha 6 trabajos de estudio. Poco a poco, y tras muchos años de trabajo, su evolución creativa los llevó hasta esa fructífera y corta época creativa que se extendió desde 1984 a 1988, años en los que publicaron los aclamados (y comerciales) Sparkles in the Rain (1984), Once Upon a Time (1985) y uno de los mejores trabajos en directo que he tenido el honor de escuchar: Live at the city of Light (1987).
Pero este éxito tan imediado y descontrolado consiguió pasar factura a este cuarteto escocés, el cual tras convertirse en un monstruo musical en los 80 fue desapareciendo y diluyéndose según avanzaba la década de los 90 hasta convertirse en un mero Golem con pies y piernas de húmedo barro.

El inicio de la nueva década supuso que Simple Minds se mantuviesen con el notable Street Fighting Years (1990), un trabajo que continuaba con la línea Pop de sus éxitos anteriores y que sirvió como punto de inflexión crativa. Tras este trabajo, Simple Minds empezó a desintegrarse debido a varias bajas entre sus filas (lo que mermó la capacidad creativa del grupo) hasta caer definitivamente con el monótono Good News The Next World. Durante estos años, el proceso de envejecimiento y pérdida de lucidez se hizo tan evidente que el grupo, atrapado en un callejón sin salida, intentó lo que U2 ya había echo 7 años antes: reinventarse a si mismos. Para ello se aliaron con uno de sus primeros productores (Peter Walsh) el cual había marcado un punto de inflexión en la carrera del grupo con new Gold Dream (1982), y crearon una de las peores obras musicales que tengo el honor de contar en mi extensa colección. Sras y señores esa pedante obra musical, publicada en 1998, responde al nombre de Néapolis.
Este horripilante trabajo es el claro ejemplo de la decadencia personificada y musicada, un vago ejercicio de involución de la creatividad como grupo, un grito desesperado de ayuda o la necesidad de agarrarse a un clavo ardiendo para no desaparecer en la marisma de los aquellos que fueron grandes y hoy son anónimos desaparecidos. Y es que cuando uno escucha este trabajo, se da cuenta del giro que Simple Minds intentó dar a su estancado sonido para llevarlo al pop electrónico de sus primeros trabajos, pero con muy poca efectividad. En Neápolis queda patente que la creatividad del grupo se encontraba en sus horas más bajas y no sólo por la escasez de pistas (9) sino también por la sensación de estar escuchando canciones a medio acabar, por lo cual se edulcoraron con una buena producción para disimular una carencia tan evidente.

Con el paso de los años Néapolis es todavía peor que cuando lo escuché por primera vez, pero he de agradecerle que gracias a él Simple Minds tocasen fondo (por fin, ya que la caída duraba demasiado) e intentasen salir de él.
¿Lo consiguieron? Si... pero eso es ya otra historia.

Nota: 2 (sobre 10)

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El Virtuosismo de QUEEN en su estado original.

¿Quién no conoce a Queen?

Quizá alguien que lleve en coma 20 años no los conozca, o posiblemente aquel que haya sido abducido por un ente extraterrestre y ello haya supuesto un "reset" de su memoria retrógrada no posea el placer de haberlos escuchado. Pero el resto de la humanidad los conoce (para bien o para mal).
Ya sea por su himno de ganadores y vencidos (We are the Champions), por su carismático frontman y hoy icono de la lucha contra la enfermedad del SIDA (Freddie Mercury) o por cualquiera de sus otras famosas melodías que inundaron la escena musical de los años 80... todo el mundo conoce a Queen.

Pero quizá, sólo quizá, a muchos se le ha escapado la mejor época de este cuarteto londinense, una época que queda lejos de singles comerciales e inmediatos, lejos de los grandes estadios y de la prensa amarilla... y esa época es el inicio, el principio del mito.
Tras su homónimo debut en 1973, el cuarteto londinense publicó un año después el que sería su trabajo más elaborado y virtuoso, trabajo al que llamaron sencillamente Queen II. Este no es un trabajo de grandes himnos, ni de grandes singles (quizá el único conocido es Seven seas of Rhye) pero es con toda seguridad el trabajo más complejo en cuanto a interpretación y creación se refiere.
Queen II es un trabajo que esta dividido en dos partes que guardan relación con las dos caras del disco:la cara A o lado blanco (compuesto por pistas de los cuatro componentes del grupo) y el lado negro (o cara B) que esta íntegramente compuesto por Mercury. Pese a que existen dos caras diferenciadas, el disco mantiene su homogeneidad musical basándose en el estilo hard rock que imprimieron en su primer trabajo pero introduciendo nuevos ingredientes (que serán persistentes en el resto de su discografía durante la década de los 70) como los coros a tres voces con tintes operísticos y las virtuosas composiciones de cuerda grabadas en diferentes pistas, consiguiendo una atmósfera sonora de oscuridad latente que envuelve totalmente al oyente.

En determinados momentos de la vida es necesario volver al origen, y eso es lo que aquellos que sintáis curiosidad tras leer esa crítica debéis hacer. Huid de lo que habéis escuchado sobre ese grupo de masas y grandes estadios de los 80, de su sonido comercial, directo y facilón… y viajad al origen, cuando Queen era aún la semilla de lo que después fue. Solo en ese momento podréis apreciar el verdadero virtuosismo de Queen, ese complicado virtuosismo que abandonaron cuando se abrieron a las grandes audiencias y que May, Taylor, Deacon y Mercury destilaron para crear la mejor obra de “la Reina”, la cual, como el buen vino, ha sabido envejecer con dignidad y maestría.

Como dicen los anglosajones, pero desde mi punto de vista : God Save THIS Queen II.

Nota: 8 (Sobre 10)

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Los Herederos del Shoegazing.

Airiel es un cuarteto originario de Chicago que navega desde 1997 en el mar de la escena indie norteamericana, siendo su velero su música, un claro ejemplo de lo que fue el sonido Noise-Pop / Shoegazing a principios de la década de los 90.

Tras diez años de carrera y dejando tras de sí un compendio de 5 EP's publicados, The Battle of Sealand es, por ahora, su primer y único disco de estudio. El Título de este trabajo hace honor al Principado de Sealand (Airiel se convirtió en el primer grupo de música que realizó allí un concierto), esa plataforma de defensa situada en frente de la costa británica que data de la segunda guerra mundial y que se estableció como micronación en 1967.

Musicalmente hablando este único Long Play de Airiel esta cortado por el perfecto patrón de lo que en su día fué el desaparecido Shoegazing: voces etéreas y dejadas en un segundo plano (por lo cual necesitas "tirar" de libreto para enterarte que están diciendo) mezcladas con guitarras distorsionadas y acompañadas de un línea de bajo / percusión potente y adrenérgica, aunque en alguna pista, Airiel flirtea también con el sonido ambient. Todo ello confiere que este trabajo posea su propia personalidad pero pese a ello le falta la lucidez necesaria para convertirse en notable ejercicio de regresión modernizada del estilo Shoegazing
¿La causa? Que recuerda en demasía a trabajos como Nowhere (de los Británicos Ride) , Ferment (Catherine Wheel), Sovlaki (Slowdive)...  pero sin un resultado tan pulido y brillante, dejando la sensación que estamos ante el hermano menor de aquellas grandes obras de principios de los 90.

La Sentencia sobre Battle of Sealand sería que nos encontramos ante un disco que aunque no es mediocre se ha quedado en un mero ejercicio de resucitación de aquel sonido underground de la escena británica de hace ya dos décadas, con mucha pretensión pero sin demasiada efectividad.

Nota: 5 (Sobre 10)

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NO CODE: ¿Que es lo que quieres escuchar hoy?

¿Qué es lo que ocurre cuando te das de bruces con algo diferente? Para los más conservadores o para aquellos que gustan del control y la rutina, la diferencia puede suponer aversión o miedo, pero para aquellos que tienen una mente abierta a los cambios, la diferencia puede suponer un estimulante vital, o en algunos casos un amor perdurable.

La primera vez que escuche el cuarto trabajo de Pearl Jam (NO CODE) me di de bruces con un cambio notable ya que el quinteto de Seattle me tenía acostumbrado a viajar por otros derroteros. En un principio, este trabajo me supuso una difícil digestión, ya que sonaba diferente: a ratos más clásico, a ratos agresivo pero también sonaba arriesgado, introspectivo, variado... En un principio pensé que la culpa la tenía Neil Young y su maldito Merkinball (EP grabado meses antes con Pearl Jam), pero esa culpabilidad achacada al bendito de Young se fue diluyendo a medida que las escuchas de este trabajo se sucedían. Si, señoras y señores, NO CODE me llevó su tiempo, pero tras varias escuchas el flechazo fue inminente, y enamoré de por vida del cuarto trabajo de la banda de Seattle.

Dos años antes de la publicación de este magnífico trabajo, Pearl Jam ya había dado un giro a su sonoridad con Vitalogy (1994), alejándose en él del sonido Grunge de sus dos primeros trabajos y haciéndolo así menos accesible y directo. Al igual que su antecesor, No CODE se gestó en un clima de crispación y tensión debido al control que el frontman (Eddie Vedder) quiso llevar sobre la post producción del disco, lo cual supuso el casi-abandono del bajista Jeff Ament durante las sesiones de grabación. El resultado de esta vorágine creativa supuso la ruptura total con el sonido primerizo de la banda para así adentrarse en el Rock clásico, el sonido agresivo de garaje, las melodías de cuerda y los sonidos orientales... Pearl Jam rompía definitivamente con su pasado, con su música directa y hormonal y con su lírica de rabia y adolescencia para viajar en el mar que habla sobre la madurez y la espiritualidad, cuestiones que te planteas más profundamente según vas creciendo.

Estéticamen te las ediciones realizadas en vinilo y CD están configuradas por 144 fotografías (Polaroid) de 2x2 cm realizadas por los integrantes de la banda y que configuran un mosaico que a priori parece desordenado y caótico. Pero si uno se toma la molestia de abrir completamente el libreto para visualizar la portada /contraportada a la vez, podrá observar desde la lejanía como aparece ante sus ojos la figura de NO CODE (un triángulo con un globo ocular dentro). Respecto al significado de este título y esta iconografía existen varias teorías, siendo la más acertada la de no resucitar. En la terminología médica anglosajona, un NO CODE es una orden de no resucitación de un paciente por incompatibilidades con la vida (en nuestro país esto se denomina NO RCP), y Vedder & cia decidieron ponerle este título por el miedo a que su experimento saliese mal. Si esto hubiese sido así, el trabajo quedaría sepultado de por vida y no se rescataría ni para tocarlo en directo.

Pero este paciente tan especial y difícil de digerir (a priori) reaccionó correctamente a su tratamiento experimental, superando la prueba de la vida y la muerte y convirtiéndose en disco de las mil caras.
¿Cual de ellas quieres escuchar hoy?

Nota: 8 (Sobre10)

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El Fin del Sonido Seattle.

La música POP adecentada con sus luces de neón vestía sus mejores galas y daba sus últimos coletazos mientras empezaba a palidecer y marchitarse. La última década del siglo XX acababa de empezar, y la dulce sonoridad de esta corriente era sacudida por la rabia y el descontento que grupos como Dinosaur Jr, The Pixies o Green River  escupían a través de los altavoces. El Sonido Seattle (conocido hoy popularmente como GRUNGE) acababa de nacer, y en poco tiempo sería un “boom” mediático gracias a que grupos como Pearl Jam, Nirvana o Mudhoney lo elevarían desde las alcantarillas a los altares del Rock alternativo.
Mientras esta escena de cambio se desarrollaba, al otro lado del atlántico la escena musical británica se debatía entre las musicalidades del Dream Pop, el Shoegazing y la entonces débil semilla de lo que sería el florecido Brit Pop. No sería hasta 1994 y coincidiendo con la muerte de Kurt Cobain que el género Post Grunge aparecería con fuerza en el Reino Unido (compartiendo la sonoridad del Grunge, su hermano mayor). Y esta segunda ola del sonido Seattle la iniciaría  un cuarteto londinense llamado BUSH, el cual sería el abanderado durante su corta existencia.

El primer trabajo de este grupo , llamado Sixteen Stone (1994),  es un ejercicio claro de cómo es la sonoridad de la música Grunge y en su día tuvo una gran acogida por la crítica y el público, llegando a ser un disco superventas en EEUU con un éxito más reducido en UK.  Tras este debut vendrían dos trabajos: uno horrible y vomitivo publicado en 1996 (Razorblade Suitcase) y otro sin una dirección musical clara e influenciado por la música electrónica  (Science of Things) publicado tres años después.  Llegados a este punto en la línea vital de Bush, mucho había cambiado la escena musical británica (estamos ya en el año 2000) y poco quedaba ya de aquella sonoridad nacida en los suburbios de Seattle. Pese a ello, Bush volvió al sonido que tanto éxito les dio en su trabajo debut pero solidificada con la madurez de 7 años de carrera para crear su mejor y póstumo trabajo : Golden State.

Golden State es un brillante trabajo (que no sobresaliente) que llegó para cerrar una carrera desigual a nivel creativo y que supone la vuelta al inicio de su carrera: piezas maestras de grunge (muy al estilo de su álbum debut) pero conducidas  magistralmente por el productor Dave Sardy (Marilyn Manson, Slayer...) lo que confiere a estas canciones fuerza y dureza pero abandonando el sonido “sucio” tan frecuente en la mayoría de trabajos Grunge.

Como muchos otras obras, Golden State es un buen disco que no tuvo su repercusión a nivel social por el nulo soporte que la discográfica realizó en la promoción.  Si, como yo, eras uno de esos adolescentes que saltaban y al escuchar un sucio riff de guitarra a mediados de los 90 este es posiblemente un trabajo que te arrancará una sonrisa. Por los viejos tiempos...

Nota : 7 (Sobre 10)

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El Homónimo Aburrimiento.

Con su primer trabajo homónimo, Bret Andersson (el que fue líder del grupo británico SUEDE) pone el punto final a lo poco que quedaba de aquel magnífico icono del Pop-Glam que tan buenos momentos nos hizo pasar durante la década pasada.

Tras una década de esplendor musical y dejando tras de sí un álbum imprescindible para la banda sonora de los 90 como fue DOG MAN STAR, Brett Andreson finiquitó a SUEDE tras 10 años de carrera , supuestamente por la línea descendente que el grupo llevaba desde que publicaron Head Music allá por 1999, e intentó volver a los buenos tiempos de la época de Dog Man Star aliándose con su antiguo co- frontman y ex “enemigo”: Bernard Butler. De esta unión nació el grupo The Tears, un fiasco mayúsculo desde el punto de vista musical y comercial (¿Que esperaban?¿Volver a crear otro Dog Man Star?) que, supongo, ha servido de detonante para que Brett se haya dedicado a su carrera en solitario.
Y hasta aquí hemos llegado... El primer trabajo del Sr Andersson desprende la esencia de “otro” disco que destila la madurez del genio al compás de medios tiempos que se alargan durante todas las canciones del álbum, resultando monótono y aburrido. Cuando uno escucha este trabajo tiene la sensación de que el autor, aunque tenga talento, anda perdido en el mundo de la creatividad, y que posiblemente necesite de aquellos co-autores que tantos buenos resultados dieron en el pasado para que acaben de perfilar las insulsas canciones de este trabajo.

Tras varias escuchas este trabajo se han apoderado de mi sensaciones que guardan cierta similitud con aquellas que aparecen cuándo a uno le pica una mosca Tse-Tse, o bien cuando uno está en etapa de resaca después de haberse bebido varios litros de Vodka en triste soledad. Tristeza, modorra, aburrimiento y sueño... esto es lo que me ha transmitido este álbum, por lo cual no se lo recomendaría ni a los fans de aquella mítica banda que tanto brilló a mediados de los años 90.

Adiós a los buenos, locos y brillantes compases musicales de antaño. Os echaré de menos...

Nota : 3 (Sobre 10)

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