La Excepción que confirma la Regla...

Hace unos meses leí una entrevista realizada Álvaro Urquijo (Los Secretos) en un periódico de tirada nacional. En dicha entrevista reafirmaba un pensamiento que siempre he tenido: que la Movida Madrileña, ese movimiento contracultural y underground que luego se extendió por las principales capitales del país y que se estableció durante la década de los 80, era un movimiento que al día de hoy se había mitificado totalmente, siendo en realidad una contracultura que en su día olía a “sobaquina”. Cuatros años antes de esta entrevista, Joaquin Niki (letrista de Los NIkis, otro mítico grupo de la Movida) postulaba que dicho movimiento cultural era “Naif y Cutre” y que tanto revival de aquellos años realizado en la actualidad era sobrevalorar lo que en realidad llegó a a ser todo aquel despertar. Estos dos postulados coinciden en lo que yo siempre he pensado, en parte, sobre toda aquella cultura, ya que aunque siempre me ha parecido muy Kitsch también he sabido reconocer el mérito de “La Movida como un instrumento de escapa en dirección contraria a la de aquella España post franquista, una huída de la cultura establecida para así poder modernizar el país (con el apoyo, en algunos casos, de algunos políticos socialistas).

¿La diferencia respecto a los gurues de la música occidental? Mientras que en el Reino unido o en los Estados Unidos la sonoridad Pop y el posterior sonido Madchester revolucionaban la cultura musical popular, en España se intentaba hacer lo mismo pero “con cuatro duros” y con resultados, en la mayoría de casos, mediocres. Es por esta razón que la mayoría de aquellos trabajos musicales publicados en los 80 resultan en la actualidad tremendamente desfasados y, en la mayoría de casos , de triste calidad. Si, es verdad, con el paso de los años todos recordamos excelentes singles que fueron hits directos y que permanecen en nuestra memoria colectiva, pero pocos discos superarían hoy el listón de trabajos míticos. Y entre estos pocos trabajos mencionados existe uno que brilla con luz propia, y que supuso un antes y un después para la música de este país: La Canción de Juan Perro.

Nos encontramos en 1987, los hermanos Luis y Santiago Auserón junto con el guitarrista Enrique Sierra deciden cambiar, una vez más, el rumbo del sonido de Radio Futura. Para este nuevo trabajo (ya sin su batería de toda la vida que deja el grupo por desavenencias sobre este nuevo rumbo sonoro) los hermanos Auserón y Enrique Sierra deciden volver al sonido en si, a lo básico, huyendo de la experimentación barroca y recargada del experimental “De un país en llamas”, publicado dos años antes. Para la creación de esta obra maestra de la música española, Radio Futura deciden grabar el disco en los estudios Sigma Sound de New York y así grabar con la mínima tecnología posible (al contrario que su trabajo predecesor) con el fin de volver al desnudo, a lo básico , a la esencia de los ritmos clásicos del Rock, Pop, R&B, Jazz y la sonoridad de lo que hoy se conoce cómo música latina. Esto es lo que esconde este magnífico trabajo, diferentes estilos milimétricamente conectados entre sí y bordados a mano con unas letras magníficas, salidas de la cabeza de ese antiguo estudiante de Filosofia de la Universidad de la Sorbona que un día cambió las clases por los estudios de grabación y que gracias a ello creó (junto a sus compañeros de viaje Luis y Enrique) la piedra angular de la música contemporánea de nuestra historia reciente. Y es que esta magnífica obra que destila calidad, sabe a calidad y huele a calidad, supuso un punto de inflexión para los grupos y artistas de este país que tomaron a “La canción de Juan Perro” como el ejemplo de cómo hacer un trabajo magistral que además fuese un éxito de ventas (de él salieron hasta siete singles) y que aunara las alabanzas de público y crítica.

Gracias a esta magistral obra de 41 minutos de duración el mundo musical de la famosa y mitificada “movida” puede mantener la cabeza alta, orgullosa de haber sido espectadora de la creación del disco más importante de la década de los 80 en nuestro país y uno de los trabajos imprescindibles de la música contemporánea.

Nota: 9'5 (sobre 10)

Como crear al Hermano Bastardo de Siamese Dream.

El nuevo milenio acababa de comenzar, y con él apareció el principio del fin para el grupo de Rock “alternativo” que se erigió como el más importante de los últimos 20 años. Importante por su cantidad y calidad de material publicado, importante por sus ventas millonarias (de ahí lo de alternativo entre comillas) e importante por su evolución musical e influencias para otros grupos. Tras 10 años de meteórica carrera, Billy Corgan (alma matter del grupo) decidía poner fin a la vida de Smashing Pumpkins con una gira de despedida a nivel mundial (aún se me pone la piel de gallina cada vez que recuerdo el concierto que dieron en Barcelona).
Esta acelerada disolución tenía una estrecha relación con las tensiones que el grupo siempre había vivido por las adiciones de sus miembros a todas las drogas conocidas sobre este planeta, Este echo (la adicción a la cocaína de la bajista D´Arcy y del guitarrista James Iha) fue denunciado cínicamente por Billy Corgan como uno de los motivos de ruptura, y digo cínicamente por que las malas lenguas lo señalaban como uno de los mayores consumidores del grupo.

Tras este adiós, Corgan decidió dar continuidad a su fértil creatividad con ZWAN, tomando de la mano a uno de los mejores percusionistas de Rock de todos los tiempos (el también ex –Smashing Pumpkins Jimmy Chamberlin) y a su amigo de toda la vida, el guitarrista Matt Sweeney (antiguo líder de la banda Chavez). Para finalizar de crear esta formación se añadieron el guitarrista David Pajo (ex Stereolab) y la bajista Paz Lechanin. Con esta nueva formación, Bily Corgan mostraba al mundo como sus antiguos fantasmas el pasado desaparecían para dar paso a la camadería y a la armonía casi mística que desprendía el nuevo quinteto, el cual que tras una breve gira por California dio el paso a la grabación de primer (y último) trabajo de estudio : Mary Star of the Sea.
Con este disco, Corgan intentó recuperar el espíritu del aclamado Siamese Dream (publicado en 1993 por su antigua banda), algo que no consiguieron ni de lejos pese a que la fórmula poseía los ingredientes correctos: guitarras distorsionadas y rasgadas con punteos o solos casi imposibles y percusión de coordinación / variedad inusual en un grupo de rock, traída directamente de otra galaxia y unida milimétricamente a una línea de bajo realmente elaborada. Pero el resultado de tan milimétrico experimento se quedó diluido debido principalmente a la avaricia del propio Billy Corgan. En esta época era un secreto a voces que el antiguo genio de Smashing Pumpkins buscaba desesperadamente lo que había conseguido con esta formación años atrás gracias a dos grandes trabajos como lo fueron Simaese Dream (1993) y Mellon Collie (1995). Estos trabajos encumbraron a Corgan a los altares del Rock gracias al reconocimiento absoluto de toda la crítica musical, al reconocimiento del público y gracias a unas ventas millonarias, un trinomio no existente en la linea vital de Smashing Pumpkins a partir de 1996. Esta fue la razón por la cual reclutó a dos grandes guitarras-icono de la escena Indie y del Metal Gótico :para crear un trabajo que repetía la fórmula que tanto éxito le había dado 10 años atrás tratando de unificar el gusto de estas dos audiencias, pero el resultado se torno fallido ya este grandilocuente trabajo se desinfla tras varias escuchas al estar lleno de eternos clichés alternativos y de pasajes que nos recuerdan en demasía a aquel maravillosos Siamese Dream, pero en versión monocromo.

La sentencia de Mary Star of the Sea es equiparable al resultado que obtendríamos al bebernos un cortado descafeinado con leche desnatada si tenemos un paladar acostumbrado al Cappucchino: Ambos son de la misma família, pero uno de ellos es un bastardo.

Nota: 6 (Sobre 10)

Cuando la espera te defrauda.

Si, lo sabia, sabía que podía pasar... y así ha pasado. Debe ser parte de la condición humana, o quizá del capitalismo, o vaya usted a saber. Pero si uno espera con enfáticas ganas la llegada de algo (un viaje, una fecha o un disco como ha sido en esta ocasión) corre el riesgo de que la espera idealice el momento y este quede deslucido a su llegada.
Pues bien, esto mismo es lo que me ha pasado con este trabajo de los estounidenses Highspire. Quizá es la crisis de los 30 (que creo que no tengo, todo sea dicho) pero últimamente me dedico a bucear horas y horas en busca de nuevos grupos que naveguen fuera de los circuitos comerciales y que recojan el testigo de la escena alternativa de los 90. Los hay a patadas, la mayoría prescindibles, unos pocos realmente excelentes y otros inicialmente prometedores para pasar a ser claramente defraudantes.
La primera vez que escuché a Highspire fue gracias a un minoritario blog ruso (me pregunto yo cómo llegué hasta él) escondido en el mar de internet, que había colocado unos samplers de 30 segundos de los 13 temas que componen su disco debut. La verdad, la escucha hizo que me diese de bruces con un soplo de aire fresco (que digo soplo… eso era un puñetero huracán) y ello me llevase a buscar y rebuscar su disco por internet. Tras semanas de navegación di por fin con una pequeña tienda on-line de Pensilvania que lo vendía a un precio razonable. Lo compré y tras 3 semanas me llegó a casa. Era como un niño pequeño… que ganas le tenia a este trabajo, joder, sonaban tan bien los samplers “colgados” en aquella web...
Lo metí en mi equipo de música, y tras cuatro escuchas la hiperventilación inicial, la piel de gallina y la sequedad de boca (que subidón de adrenalina llevaba) desaparecieron y dieron paso a la modorra y a un triste pensamiento: Me han defraudado.

¿Pero quienes son Highspire? Higspire es un grupo “made in Pennsilvania” que recogió el testigo de la escena alternativa nu-gaze /indie /dreampop de principios de los 90 y la modeló bajo la huella del shoegazing y la escena electrónica. Sus influencias son claras : Ride, My Bloody Valentine, algo de Slowdive o quizá Lush pero adecentado bajo una base electrónica muy sutil. Tras varias escuchas en profundidad se les ha de reconocer el mérito: estos 4 tios saben trabajar para conseguir una sonoridad magnética y poco directa: aplican capas y capas de sonido guitarrero , algunos tintes de música electrónica y gotitas de sondo ambient para crear una atmósfera totalmente envolvente, compleja, asfixiante y explosiva.
Entonces.. ¿Donde esta el problema? En la reiteración y la extensión. Todo empieza con mucha fuerza, como si estos cuatro tíos adivinasen dónde colocar las notas para conseguir que el oyente tenga una sensación eléctrica, pero la repetición sonora de las mismas texturas una y otra vez a lo largo de cada pista acaba por cansar a uno. Este seria un disco realmente notable si se hubiese recortado la duración de los temas (y todo sea dicho, si se hubiesen suprimido las 4 pistas finales), ya que el problema reside en el binomio duración-repetición, es decir, la mayoría de los temas empiezan con fuerza pero esta fuerza se diluye al repetirse una y otra vez la misma composición como si de un “loop” se tratase.

Your Everything… otro trabajo que pasará mi sección de aquellos grupos que “pudieron” pero no lo consiguieron, otro disco que se convierte en uno más del montón o bien otro ejemplo que nos muestra que las verdaderas joyas son pocas y cuestan de encontrar.

Nota: 5 (Sobre 10)

Cuando acaban los fuegos artificiales y te quedas a oscuras.

Toda historia de amor tiene su final, algunos de ellos se tornan tristes y otros felices. Pero también existe una tercera opción para ese final, cuando todo acaba y uno se queda con un cierto regusto agridulce y lleno de melancolía.

Mi historia de amor con Catherine Wheel (que no es una bella dama, sino un fuego artificial que da el nombre a un cuarteto británico alternativo) se inició en mi adolescencia gracias a los compases de uno de sus primeros singles, el memorable “Black Metallic “. En efecto, ese gran tema me hizo buscar desesperadamente su primer trabajo (Ferment) por todas las tiendas de Barcelona, hasta que por fin lo pude encargar como artículo de importación. Me bastó una escucha para darme cuenta que esos tíos eran (con perdón) la ostia, aunaban con magistralidad efectos de guitarra, distorsión y melodía, un trinomio que hasta ese momento ningún grupo alternativo de la época me había mostrado aun.
Un año después llegó "Chrome", su segundo trabajo, una obra difícil de describir, que te lleva al climax, te deja en babia o en el séptimo cielo y que aún hoy (16 años después) me sigue pareciendo uno de lo mejores trabajos de la década pasada. Pero los años fueron pasando, y al igual que yo fui madurando ellos también lo hicieron. Esta madurez se inició con "Happy Days" (1995), trabajo que supuso su primer altibajo y mi primer desencanto con la consecuente pérdida de idealización de aquel amor que ahora ves como humano, con sus virtudes y carencias. La reconciliación llegaría en 1997 con su cuarto trabajo de estudio: Adam and Eve. Esta reconciliación fue difícil, ya que tanto el grupo como yo habíamos madurado y nos reencontrábamos tras una ruptura con cierto recelo y sin tanto “subidón” hormonal. Pero el tiempo lo puso todo en su sitio, y este trabajo elaborado y progresivo consiguió hacerme saltar, emocionarme… y llevarme de nuevo al limbo.

Pero un día... tristemente todo acabó. El inicio del Nuevo siglo supuso la aparición del que sería su ultimo trabajo, titulado Wishville, y ello llevó a que en ese momento se acabase nuestra historia de amor físico. Con Whishville Catherine Wheel murió como grupo y como creatividad y a mi me quedó un regusto agridulce y cierta melancolía que me evocaba hacia los Buenos tiempos.
Cuando uno escucha este escueto y mediocre trabajo, le cuesta de creer que este cuarteto inglés fuese tan excepcional, tan jodidamente fértil, con un criterio de evolución musical tan coherente y bien definido. Y es que con el nuevo siglo lo perdieron todo por el camino, perdieron a su bajista de toda la vida y lo reemplazaron por otro realmente mediocre, perdieron las buenas líricas presentes en su primeros trabajos, y perdieron esa sonoridad tan especial, sugerente y evolutiva que los definía. ¿El resultado? Un trabajo llano, desmotivado y gris, un ejercicio de Rock recto y aburrido que intenta emular a su elaborado predecesor (Adam and eve) pero que nos muestra el desgaste de un gran grupo que durante casi una década se mantuvieron por reconocimiento y ventas en la escena underground pero que hoy es una banda de culto y admiración por muchos de sus semejantes debido a su saber hacer y a su evolución sonora.

Aquí yace Catherine Wheel, como todo fuego artificial su pólvora se agotó, y la rueda se detuvo de por vida.
Pese a ello... gracias chicos, vuestra música me acompañará siempre, aunque os eche de menos.

Nota : 6'5 (Sobre 10)

En el país de los ciegos... el tuerto es el Rey.

Una vez más nuestra lengua, rica en sabios refranes populares, me va como anillo al dedo (ahí va otro…) para definir el último trabajo de los británicos Air Formation. Este quinteto afincado en Sussex es un desconocido heredero de aquellos jóvenes que a principios de los 90 tomaron el relevo de la música pop pasándola por el filtro de las texturas etéreas / ambient gracias a la creativa sonoridad que imprimieron a su sonido utilizando como herramienta las guitarras. Aquellas nuevas texturas sonoras fueron etiquetadas en su dia como el sonido Dream Pop, y por ello Air Formation tiene como referencias evidentes en su musicalidad a los míticos Slowdive, My Bloody Valentine, una pizca de Ride y de los Primeros Catherine Wheel y algunos toques de Lush.

¿El Resultado? Tenemos a cinco jóvenes haciendo aquello que les gusta , sin someterse a modas, tendencias y artificialidades comerciales (algo digno de mención). Posiblemente por ello , a este grupo (como dirian mi barrio) los conoce su madre y poco más, y eso es debido a que son la herencia de grupos que en su día no salieron de la escena “underground”, y no por falta de calidad (que la tenían) sinó por ser poco directos, precisando de varias escuchas para apreciar la complejidad y belleza de sus composiciones.
La profundidad… este es el patrón que sigue Daylight Storms , el último trabajo que hoy tengo el honor de mentar y que como rezaba en el título es un tuero en un país de ciegos. Tenemos un LP (véase Longplay: aquel trabajo con una duración mínima de 30 minutos ) de 10 pistas que “cojea” en sobremanera en 3 de ellas, restando magia y encanto al resultado final. Por ello, si este trabajo se hubiese editado sin estas tres pistas y saliese en formato de EP (Extended Play: aquel trabajo con una duración entre 10 y 28 minutos) hubiese sido, posiblemente, el mejor trabajo de esas características publicado en 2007.

¿Pero que es lo que encontramos en este disco? Para aquellos que nunca hayan escuchado algú trabajo de Dream Pop se encontrarán con atmósferas poco directas, tan típicas del Pop tradicional, encontrándose con una borrachera de éter y Vodka… es elevarse, flotar, perder el equilibrio, la gravedad, dejarse llevar por voces suaves y cercanas a un susurro envueltas por muros de guitarras que llenan completamente el espacio o estancia en la que escuchas el trabajo… todo ello acompañadas por una percusión acentuada que se contrapone con la ensoñación de las guitarras.

Una vez más… la creatividad esta reñida con la comercialidad por falta de accesibilidad, por vagancia, por hacernos creer que sólo aquello que es cómodo para nuestros oídos (aquello que nos “entre” en la primera escucha) es lo que vale porque es fácil de vender. Que gran error… ellos se lo pierden.

Nota: 6'5 (Sobre 10)

Néapolis, o la historia de cómo revolcarse en el fondo del abismo.

A mediados de la década de los 80, mientras Ronald Reagan se divertía jugando a la “Guerra de las galaxias” con su homólogo ruso, los escoceses SIMPLE MINDS triunfaban en el mundo del comercio musical, vendian millones de discos y llenaban los estadios de todo el mundo.
Cabe decir que para entonces Simple Minds era ya un grupo de largo recorrido, llevaba desde 1979 en el negocio de la música y había publicado hasta la fecha 6 trabajos de estudio. Poco a poco, y tras muchos años de trabajo, su evolución creativa los llevó hasta esa fructífera y corta época creativa que se extendió desde 1984 a 1988, años en los que publicaron los aclamados (y comerciales) Sparkles in the Rain (1984), Once Upon a Time (1985) y uno de los mejores trabajos en directo que he tenido el honor de escuchar: Live at the city of Light (1987).
Pero este éxito tan imediado y descontrolado consiguió pasar factura a este cuarteto escocés, el cual tras convertirse en un monstruo musical en los 80 fue desapareciendo y diluyéndose según avanzaba la década de los 90 hasta convertirse en un mero Golem con pies y piernas de húmedo barro.

El inicio de la nueva década supuso que Simple Minds se mantuviesen con el notable Street Fighting Years (1990), un trabajo que continuaba con la línea Pop de sus éxitos anteriores y que sirvió como punto de inflexión crativa. Tras este trabajo, Simple Minds empezó a desintegrarse debido a varias bajas entre sus filas (lo que mermó la capacidad creativa del grupo) hasta caer definitivamente con el monótono Good News The Next World. Durante estos años, el proceso de envejecimiento y pérdida de lucidez se hizo tan evidente que el grupo, atrapado en un callejón sin salida, intentó lo que U2 ya había echo 7 años antes: reinventarse a si mismos. Para ello se aliaron con uno de sus primeros productores (Peter Walsh) el cual había marcado un punto de inflexión en la carrera del grupo con new Gold Dream (1982), y crearon una de las peores obras musicales que tengo el honor de contar en mi extensa colección. Sras y señores esa pedante obra musical, publicada en 1998, responde al nombre de Néapolis.
Este horripilante trabajo es el claro ejemplo de la decadencia personificada y musicada, un vago ejercicio de involución de la creatividad como grupo, un grito desesperado de ayuda o la necesidad de agarrarse a un clavo ardiendo para no desaparecer en la marisma de los aquellos que fueron grandes y hoy son anónimos desaparecidos. Y es que cuando uno escucha este trabajo, se da cuenta del giro que Simple Minds intentó dar a su estancado sonido para llevarlo al pop electrónico de sus primeros trabajos, pero con muy poca efectividad. En Neápolis queda patente que la creatividad del grupo se encontraba en sus horas más bajas y no sólo por la escasez de pistas (9) sino también por la sensación de estar escuchando canciones a medio acabar, por lo cual se edulcoraron con una buena producción para disimular una carencia tan evidente.

Con el paso de los años Néapolis es todavía peor que cuando lo escuché por primera vez, pero he de agradecerle que gracias a él Simple Minds tocasen fondo (por fin, ya que la caída duraba demasiado) e intentasen salir de él.
¿Lo consiguieron? Si... pero eso es ya otra historia.

Nota: 2 (sobre 10)

El Virtuosismo de QUEEN en su estado original.

¿Quién no conoce a Queen?

Quizá alguien que lleve en coma 20 años no los conozca, o posiblemente aquel que haya sido abducido por un ente extraterrestre y ello haya supuesto un "reset" de su memoria retrógrada no posea el placer de haberlos escuchado. Pero el resto de la humanidad los conoce (para bien o para mal).
Ya sea por su himno de ganadores y vencidos (We are the Champions), por su carismático frontman y hoy icono de la lucha contra la enfermedad del SIDA (Freddie Mercury) o por cualquiera de sus otras famosas melodías que inundaron la escena musical de los años 80... todo el mundo conoce a Queen.

Pero quizá, sólo quizá, a muchos se le ha escapado la mejor época de este cuarteto londinense, una época que queda lejos de singles comerciales e inmediatos, lejos de los grandes estadios y de la prensa amarilla... y esa época es el inicio, el principio del mito.
Tras su homónimo debut en 1973, el cuarteto londinense publicó un año después el que sería su trabajo más elaborado y virtuoso, trabajo al que llamaron sencillamente Queen II. Este no es un trabajo de grandes himnos, ni de grandes singles (quizá el único conocido es Seven seas of Rhye) pero es con toda seguridad el trabajo más complejo en cuanto a interpretación y creación se refiere.
Queen II es un trabajo que esta dividido en dos partes que guardan relación con las dos caras del disco:la cara A o lado blanco (compuesto por pistas de los cuatro componentes del grupo) y el lado negro (o cara B) que esta íntegramente compuesto por Mercury. Pese a que existen dos caras diferenciadas, el disco mantiene su homogeneidad musical basándose en el estilo hard rock que imprimieron en su primer trabajo pero introduciendo nuevos ingredientes (que serán persistentes en el resto de su discografía durante la década de los 70) como los coros a tres voces con tintes operísticos y las virtuosas composiciones de cuerda grabadas en diferentes pistas, consiguiendo una atmósfera sonora de oscuridad latente que envuelve totalmente al oyente.

En determinados momentos de la vida es necesario volver al origen, y eso es lo que aquellos que sintáis curiosidad tras leer esa crítica debéis hacer. Huid de lo que habéis escuchado sobre ese grupo de masas y grandes estadios de los 80, de su sonido comercial, directo y facilón… y viajad al origen, cuando Queen era aún la semilla de lo que después fue. Solo en ese momento podréis apreciar el verdadero virtuosismo de Queen, ese complicado virtuosismo que abandonaron cuando se abrieron a las grandes audiencias y que May, Taylor, Deacon y Mercury destilaron para crear la mejor obra de “la Reina”, la cual, como el buen vino, ha sabido envejecer con dignidad y maestría.

Como dicen los anglosajones, pero desde mi punto de vista : God Save THIS Queen II.

Nota: 8 (Sobre 10)

Los Herederos del Shoegazing.

Airiel es un cuarteto originario de Chicago que navega desde 1997 en el mar de la escena indie norteamericana, siendo su velero su música, un claro ejemplo de lo que fue el sonido Noise-Pop / Shoegazing a principios de la década de los 90.

Tras diez años de carrera y dejando tras de sí un compendio de 5 EP's publicados, The Battle of Sealand es, por ahora, su primer y único disco de estudio. El Título de este trabajo hace honor al Principado de Sealand (Airiel se convirtió en el primer grupo de música que realizó allí un concierto), esa plataforma de defensa situada en frente de la costa británica que data de la segunda guerra mundial y que se estableció como micronación en 1967.

Musicalmente hablando este único Long Play de Airiel esta cortado por el perfecto patrón de lo que en su día fué el desaparecido Shoegazing: voces etéreas y dejadas en un segundo plano (por lo cual necesitas "tirar" de libreto para enterarte que están diciendo) mezcladas con guitarras distorsionadas y acompañadas de un línea de bajo / percusión potente y adrenérgica, aunque en alguna pista, Airiel flirtea también con el sonido ambient. Todo ello confiere que este trabajo posea su propia personalidad pero pese a ello le falta la lucidez necesaria para convertirse en notable ejercicio de regresión modernizada del estilo Shoegazing
¿La causa? Que recuerda en demasía a trabajos como Nowhere (de los Británicos Ride) , Ferment (Catherine Wheel), Sovlaki (Slowdive)...  pero sin un resultado tan pulido y brillante, dejando la sensación que estamos ante el hermano menor de aquellas grandes obras de principios de los 90.

La Sentencia sobre Battle of Sealand sería que nos encontramos ante un disco que aunque no es mediocre se ha quedado en un mero ejercicio de resucitación de aquel sonido underground de la escena británica de hace ya dos décadas, con mucha pretensión pero sin demasiada efectividad.

Nota: 5 (Sobre 10)