NO CODE: ¿Que es lo que quieres escuchar hoy?

¿Qué es lo que ocurre cuando te das de bruces con algo diferente? Para los más conservadores o para aquellos que gustan del control y la rutina, la diferencia puede suponer aversión o miedo, pero para aquellos que tienen una mente abierta a los cambios, la diferencia puede suponer un estimulante vital, o en algunos casos un amor perdurable.

La primera vez que escuche el cuarto trabajo de Pearl Jam (NO CODE) me di de bruces con un cambio notable ya que el quinteto de Seattle me tenía acostumbrado a viajar por otros derroteros. En un principio, este trabajo me supuso una difícil digestión, ya que sonaba diferente: a ratos más clásico, a ratos agresivo pero también sonaba arriesgado, introspectivo, variado... En un principio pensé que la culpa la tenía Neil Young y su maldito Merkinball (EP grabado meses antes con Pearl Jam), pero esa culpabilidad achacada al bendito de Young se fue diluyendo a medida que las escuchas de este trabajo se sucedían. Si, señoras y señores, NO CODE me llevó su tiempo, pero tras varias escuchas el flechazo fue inminente, y enamoré de por vida del cuarto trabajo de la banda de Seattle.

Dos años antes de la publicación de este magnífico trabajo, Pearl Jam ya había dado un giro a su sonoridad con Vitalogy (1994), alejándose en él del sonido Grunge de sus dos primeros trabajos y haciéndolo así menos accesible y directo. Al igual que su antecesor, No CODE se gestó en un clima de crispación y tensión debido al control que el frontman (Eddie Vedder) quiso llevar sobre la post producción del disco, lo cual supuso el casi-abandono del bajista Jeff Ament durante las sesiones de grabación. El resultado de esta vorágine creativa supuso la ruptura total con el sonido primerizo de la banda para así adentrarse en el Rock clásico, el sonido agresivo de garaje, las melodías de cuerda y los sonidos orientales... Pearl Jam rompía definitivamente con su pasado, con su música directa y hormonal y con su lírica de rabia y adolescencia para viajar en el mar que habla sobre la madurez y la espiritualidad, cuestiones que te planteas más profundamente según vas creciendo.

Estéticamen te las ediciones realizadas en vinilo y CD están configuradas por 144 fotografías (Polaroid) de 2x2 cm realizadas por los integrantes de la banda y que configuran un mosaico que a priori parece desordenado y caótico. Pero si uno se toma la molestia de abrir completamente el libreto para visualizar la portada /contraportada a la vez, podrá observar desde la lejanía como aparece ante sus ojos la figura de NO CODE (un triángulo con un globo ocular dentro). Respecto al significado de este título y esta iconografía existen varias teorías, siendo la más acertada la de no resucitar. En la terminología médica anglosajona, un NO CODE es una orden de no resucitación de un paciente por incompatibilidades con la vida (en nuestro país esto se denomina NO RCP), y Vedder & cia decidieron ponerle este título por el miedo a que su experimento saliese mal. Si esto hubiese sido así, el trabajo quedaría sepultado de por vida y no se rescataría ni para tocarlo en directo.

Pero este paciente tan especial y difícil de digerir (a priori) reaccionó correctamente a su tratamiento experimental, superando la prueba de la vida y la muerte y convirtiéndose en disco de las mil caras.
¿Cual de ellas quieres escuchar hoy?

Nota: 8 (Sobre10)

El Fin del Sonido Seattle.

La música POP adecentada con sus luces de neón vestía sus mejores galas y daba sus últimos coletazos mientras empezaba a palidecer y marchitarse. La última década del siglo XX acababa de empezar, y la dulce sonoridad de esta corriente era sacudida por la rabia y el descontento que grupos como Dinosaur Jr, The Pixies o Green River  escupían a través de los altavoces. El Sonido Seattle (conocido hoy popularmente como GRUNGE) acababa de nacer, y en poco tiempo sería un “boom” mediático gracias a que grupos como Pearl Jam, Nirvana o Mudhoney lo elevarían desde las alcantarillas a los altares del Rock alternativo.
Mientras esta escena de cambio se desarrollaba, al otro lado del atlántico la escena musical británica se debatía entre las musicalidades del Dream Pop, el Shoegazing y la entonces débil semilla de lo que sería el florecido Brit Pop. No sería hasta 1994 y coincidiendo con la muerte de Kurt Cobain que el género Post Grunge aparecería con fuerza en el Reino Unido (compartiendo la sonoridad del Grunge, su hermano mayor). Y esta segunda ola del sonido Seattle la iniciaría  un cuarteto londinense llamado BUSH, el cual sería el abanderado durante su corta existencia.

El primer trabajo de este grupo , llamado Sixteen Stone (1994),  es un ejercicio claro de cómo es la sonoridad de la música Grunge y en su día tuvo una gran acogida por la crítica y el público, llegando a ser un disco superventas en EEUU con un éxito más reducido en UK.  Tras este debut vendrían dos trabajos: uno horrible y vomitivo publicado en 1996 (Razorblade Suitcase) y otro sin una dirección musical clara e influenciado por la música electrónica  (Science of Things) publicado tres años después.  Llegados a este punto en la línea vital de Bush, mucho había cambiado la escena musical británica (estamos ya en el año 2000) y poco quedaba ya de aquella sonoridad nacida en los suburbios de Seattle. Pese a ello, Bush volvió al sonido que tanto éxito les dio en su trabajo debut pero solidificada con la madurez de 7 años de carrera para crear su mejor y póstumo trabajo : Golden State.

Golden State es un brillante trabajo (que no sobresaliente) que llegó para cerrar una carrera desigual a nivel creativo y que supone la vuelta al inicio de su carrera: piezas maestras de grunge (muy al estilo de su álbum debut) pero conducidas  magistralmente por el productor Dave Sardy (Marilyn Manson, Slayer...) lo que confiere a estas canciones fuerza y dureza pero abandonando el sonido “sucio” tan frecuente en la mayoría de trabajos Grunge.

Como muchos otras obras, Golden State es un buen disco que no tuvo su repercusión a nivel social por el nulo soporte que la discográfica realizó en la promoción.  Si, como yo, eras uno de esos adolescentes que saltaban y al escuchar un sucio riff de guitarra a mediados de los 90 este es posiblemente un trabajo que te arrancará una sonrisa. Por los viejos tiempos...

Nota : 7 (Sobre 10)

El Homónimo Aburrimiento.

Con su primer trabajo homónimo, Bret Andersson (el que fue líder del grupo británico SUEDE) pone el punto final a lo poco que quedaba de aquel magnífico icono del Pop-Glam que tan buenos momentos nos hizo pasar durante la década pasada.

Tras una década de esplendor musical y dejando tras de sí un álbum imprescindible para la banda sonora de los 90 como fue DOG MAN STAR, Brett Andreson finiquitó a SUEDE tras 10 años de carrera , supuestamente por la línea descendente que el grupo llevaba desde que publicaron Head Music allá por 1999, e intentó volver a los buenos tiempos de la época de Dog Man Star aliándose con su antiguo co- frontman y ex “enemigo”: Bernard Butler. De esta unión nació el grupo The Tears, un fiasco mayúsculo desde el punto de vista musical y comercial (¿Que esperaban?¿Volver a crear otro Dog Man Star?) que, supongo, ha servido de detonante para que Brett se haya dedicado a su carrera en solitario.
Y hasta aquí hemos llegado... El primer trabajo del Sr Andersson desprende la esencia de “otro” disco que destila la madurez del genio al compás de medios tiempos que se alargan durante todas las canciones del álbum, resultando monótono y aburrido. Cuando uno escucha este trabajo tiene la sensación de que el autor, aunque tenga talento, anda perdido en el mundo de la creatividad, y que posiblemente necesite de aquellos co-autores que tantos buenos resultados dieron en el pasado para que acaben de perfilar las insulsas canciones de este trabajo.

Tras varias escuchas este trabajo se han apoderado de mi sensaciones que guardan cierta similitud con aquellas que aparecen cuándo a uno le pica una mosca Tse-Tse, o bien cuando uno está en etapa de resaca después de haberse bebido varios litros de Vodka en triste soledad. Tristeza, modorra, aburrimiento y sueño... esto es lo que me ha transmitido este álbum, por lo cual no se lo recomendaría ni a los fans de aquella mítica banda que tanto brilló a mediados de los años 90.

Adiós a los buenos, locos y brillantes compases musicales de antaño. Os echaré de menos...

Nota : 3 (Sobre 10)

Soy tu Madurez ¿Puedo Pasar?

Para todos los mortales, todo aquello que hemos vivido, en mayor o menor grado, sirve de instrumento para modelar nuestra actitud. Para un músico, toda aquella música de la que se ha empapado sirve de instrumento de cambio y evolución a la hora de componer. Esta es la razón por la que la mayoría de compositores acostumbran a dejar una huella diferenciadora entre sus distintos trabajos, aunque también hay compositores que hacen lo mismo toda su vida, quizá por incapacidad creativa o quizá por motivos comerciales. Sea como fuere, estos primeros nos van mostrando como disco tras disco van alcanzando una cénit creativo, al igual que nosotros pasamos de la adolescencia a una etapa más reflexiva. Y como al resto de los mortales, a algunos este cambio les sienta bien, y a otros no tanto.

Catherine Wheel es uno de esos grupos al que la madurez les sentó bien, evolucionaron de manera clara y concisa desde el guitarreo envolvente y sugerente de sus primeros trabajos (Ferment y Chrome) pasando por su época de cambio con un trabajo como Happy Days, tan abierto a diferentes estilos (pero a su vez flojo y poco sugerente). Y tras esta feliz época llegó la madurez y la introspección musical mediante Adam and Eve, el cuarto y último gran trabajo de este cuarteto británico. Este es un trabajo que requiere de estudio, es decir, no estamos ante un trabajo fácil y directo, necesita de varias escuchas para que Adam and Eve vaya llenando tu capacidad de sorpresa, y la culpa la tiene su cuidada y compleja composición, cercana al rock creado en la década de los 70.

Cuando coloqué por primera vez el disco serigrafiado de color verde en mi equipo de música y presioné el botón de play me di cuenta de que algo ha cambiado. Habían pasado ya siete años desde que publicaron su primer trabajo (época por la que entonces empezaba mi hormonal adolescencia) y ahora todo era diferente. Yo ya lo sabía desde hacía tiempo, me hacía mayor, pero su música me lo corroboró: sonaban más maduros, más reflexivos e introspectivos, más oscuros... pero seguían siendo capaz de emocionarme, algo que agradecí ya que no existen muchos grupos que lo consigan a lo largo de su carrera. Emociones a parte, Adam and Eve el trabajo más elaborado del grupo,  un trabajo que viaja en dirección opuesta al resto de su obra; es más acústico, más acicalado a nivel vocal,  más introspectivo (a nivel lírico) y más “Floydiano”, ya que se nota una clara pero leve influencia de la esencia de aquellos Pink Floyd de los años 70 (en relación a las texturas de teclado,  los pasajes sonoros entre canciones y a algunos "guiños" líricos). Con los años, y como el buen vino, Adam and Eve se perfila como una obra suprema, no entendida en su día y por ello maltratada por algunos listillos de verdad suprema de la prensa musical especializada (véase Rolling Stone). Pero el tiempo lo pone todo en su sitio, y el tiempo (por ahora) le va dando la razón a este magnífico y elaborado ensayo de como hacer música Rock de calidad.

Con Adam and Eve , Catherine Wheel cerró para siempre su brillante carrera creativa (tras él vendría el flojo Whishville) y la guardó en un viejo baúl a la espera de aquellos que aún no los conocen. Si eres uno de ellos, ábrelo y déjate sorprender por uno de los mejores cuartetos alternativos y minoritarios de la década pasada.

NOTA 9  (Sobre 10)

Final Chapter: Keys to the Boring World.

Keys to the World es la tercera, y hasta ahora, última entrega musical de Richard Ashcroft,  lider del hoy reunificado grupo británico The Verve.
Tras la disolución del quinteto de Wigam en 1998 por las tensiones internas entre el mencionado el solista y el virtuoso guitarrista del grupo Nick McCabe, Ascroft inicia su carrera en solitario en el año 2000 con el efectivo Alone with everybody, muy en la línea del sonido brit que tan buen resultado había dado en en el último trabajo del grupo: Urban Hyms.  A este álbum le seguiría Human Conditions (2002), trabajo más pausado y de corte más reflexivo, en el cual Ascroft reflexiona sobre la condición humana, Dios y la vida (casi nada...). 

La trilogia como solista de Ashcroft finaliza con el mencionado Keys to the World obra de corte melancónico y  clásico (con una producción a cargo de Chris Potter que es realmente excelente), factores condenan musicalmente a este trabajo, ya que no conducen a la sorpresa y si a la sensación de haber escuchado esa sonoridad en cientos de ocasiones, lo que nos conduce inevitablemente a la modorra.

Sin duda un final maduro y posiblemente coherente de la trilogía de Richard Ascroft, pero también un broche final aburrido e insulso, no recomendado para aquellos que añoran la fuerza psicodélica de los primeros the Verve o el pop-rock cálido del magnífico Urban Hymns.

NOTA : 3 (Sobre 10)

Sed Bienvenidos al Universo de ZOOTV. Bienvenidos a ZOOropa.

Cuando la época de la música pop plastificada y llena de luces de neón tocaba a su fin, U2 se vio inmerso en el inicio de su época más fructífera desde el punto de vista creativo y comercial. Esta vorágine cretiva que desembocó en la creación del magnífico Zooropa empezó en 1987, con una magistral escalada musical llamada The Joshua Tree, con la cual tocaron el cielo creativo y comercial; después bebieron de la vida y la esencia norteamericana durante sus mastodónticas giras a finales de lo 80 plasmándolo en el desigual Ratte and Hum, un trabajo no entendido por la crítica de la tierra que los coronó como reyes del Rock en la década de lo 80.

Tras ese flirteo dualista con la esencia vital norteamericana que tantos éxitos y frustraciones les produjo, U2 se reinvento magistralmente con el inicio de la nueva década con el trabajo más importante de los años 90: Achtung Baby, trabajo al que seguiría otra gira mastodóntica (en cuanto a longitud y recursos) llamada ZOO TV. Esta gira se planteó como una sátira moderna, en la que la información desproporcionada que recibimos de los medios nos globaliza pero a la vez nos aísla individualmente, y eso se reflejó durante los conciertos con el bombardeo constante de imágenes y frases lapidarias por los gigantes pantallas ubicadas detrás del escenario. En este momento todo el mundo sabia que U2 había vuelo a Europa pra quedarse, ya que su sonoridad se asemejaba más a la música europea (dominada entonces por la emergente música electrónica y el Brit Pop) que a la música norteamericana de la época (en dónde casi toda sonoridad flirteaba con el Grunge).

Sea como fuere, y como ya he mencionado antes, ZOO TV fue esa gira envuelta en una capa de locura creativa sin descanso ni tregua, y en medio de esa vorágine Bono & Cia empezaron a grabar algunas ideas que surgían durante sus idas y venidas entre ciudades. Lo que al principio tenia que ser un EP (Extended Play, conjunto de canciones que no llegan para hacer un álbum completo debido a su duración total) al final se convirtió en lo que hoy conocemos cómo el trabajo más arriesgado, alternativo y evolucionado de U2, y este trabajo se llamó originalmente Zooropa (posiblemente en una maniobra de reconciliación con su público tras el periplo Americano), y cuya esencia ideológica era paralela a la promulgada por el grupo durante ZOO TV.
Este no es trabajo de fácil escucha, recuerdo la primera vez que lo escuché, me dejó atónito y desencajado, ya que sonaba a cualquier cosa menos a Rock, y aún menos sonaba a U2. La evolución que los cuatro irlandeses iniciaron con Achtung Baby dos años antes, mediante la sinergia del rock con los sonidos dance y electrónicos dieron paso en Zooropa a unas texturas electrónicas puras ,creadas a partir de samplers, loops y variados efectos imprimidos en las guitarras, las cuales llegan a sonar como cualquier cosa menos a lo que son, es decir menos a una guitarra. Todas estas texturas extrañas al principio requieren de varias escuchas para que la capacidad de sorpresa de Zooropa consiga engancharnos y no dejarnos escapar de su variado y colorista universo. Sírvase para muestra el siguiente ejemplo: la pista que cierra este trabajo (llamada The Wanderer) es una sorprendente creación en la que podemos escuchar a Jonny Cash (el legendario interprete de Country) devaneándose entre sonidos electrónicos y coros etéreos.

Zooropa es ese trabajo que se recordará como aquel que dio la vuelta de tuerca definitiva al sonido de U2, un trabajo realmente brillante y sorprendente que supuso la mención de mejor disco alternativo del año 1993 para una banda comercial y consolidada que a partir de ese momento empezó a ser un dinosaurio del Rock, etiqueta de la que U2 aún están intentando evadirse.

NOTA 8 (Sobre 10)

Stay (Faraway, So Close!)

¿Y tu?¿También Quieres tu Jesucristo Personal?

29 de Agosto de 1989.
En una soleada mañana al final de las vacaciones, los ciudadanos del Reino Unido leían la prensa matutina y pestañeaban con incredulidad ante un anuncio que aparecía en los periódicos de mayor tirada del país. En dicho anuncio uno podía leer ¿Quieres tu Jesucristo Personal? y ante esta pregunta aparecía un número de teléfono. Todo aquel curioso que descolgaba el teléfono y marcaba dicho número era contestado con un himno, el primer single (llamado Personal jesus) del que sería el séptimo trabajo de los británicos Depeche Mode.

El siete siempre ha sido un número con connotaciones místicas para muchas culturas, y para el cuarteto de Essex ese séptimo trabajo (llamado sencillamente Violator) se convirtió en el amuleto que los acompañó hacia la cima dejando patente que uno de los trabajos más importantes de la historia de la música moderna había nacido.
Violator es un trabajo compuesto integramente por Martin Gore, y se diferencia de sus antecesores por la incorporación que Gore hizo por primera vez en la historia de Depêche Mode de instrumentos, concretamente de guitarra, bajo y batería, algo inaudito hasta ese momento. Otro factor diferenciador a sus antecesores, es que Violator no capitaliza un tema único durante todo el disco, ya que cada corte aborda un tema diferente, así canciones como Personal Jesus critican la comercialización de la religion por los pastores de EEUU o Policy of Truth sirve como burla hacia el poderia de los EEUU tras la caida de la ya extinta URSS.

Sea como fuere, Violator es en la actualidad un ejemplo de creatividad lúcida llevada al extremo en el mundo de la música electrónica, un magnífico trabajo que encumbró a Depeche Mode como el gurú de los sonidos creados mediante teclados, loops y samplers, y un referente del cual el grupo bebió para evolucionar en sus dos siguientes trabajos (Songs of Faith an Devotion y el magnífico Ultra).
Larga vida al magnífico Martin Gore, brindemos por ello.

Nota 7'5 (Sobre 10)

Enjoy the Silence

Una Tormenta Creativa en el Paraíso.

Durante la efervescencia del Shoegazing a principios de la década de os 90, los grupos más representativos de esa corriente miraban hacia el suelo para poder recrear mediante sus pedales de efectos la sonoridad y colorido tan característicos de esa musicalidad conocida como “Wall of Sound”. Por contra, un cuarteto originario de Wigam, diferenciado claramente de sus coetáneos por su gran abanico de influencias, tomaba el sonido característico de esa corriente y lo bañaba el la pila bautismal de la psicodelia y el LSD para despegarse del mundanal ruido y así poder mirar fijamente hacia el cielo. Así nació el debut de ese cuarteto británico, un magistral trabajo que llegó al cénit creativo en una época de inpass hacia el Britpop, momento y lugar en el cual ningún grupo de esa escena alternativa consiguió llegar a ese cénit, aunque soñase con ese destino.

Este bautismo musical que The Verve, tituló magistralmente A Storm In Heaven, es un viaje musical para deleitarse y dejarse sorprender por sus completas atmósferas guitarreras tan típicas de los autores Shoegazers, complementadas con instrumentos fuera del alcance de esa corriente (y muy cercanos al Jazz Fussion): trompetas, clarinetes, cuernos franceses… todo tiene cabida en esta obra, y todo enlaza perfectamente.
En el epicentro de esta catarsis sonora que The Verve imprimió a la música contemporánea encontramos a su genio y a la vez guitarrista: Nick McCabe, un guru del sonido capaz de transformar las siete notas del pentagrama en millones de texturas, emociones y atmósferas de ensoñación. En este maravilloso trabajo Mc Cabe consiguió imprimir una variada paleta de sonidos a partir de la superposición de capas y capas de guitarras que nos permiten viajar entre dualidades, ya que toda la atmosfera de este trabajo se mueve entre la luz y oscuridad, transportándonos dentro de una pequeña barcaza entre olas y corrientes de agua… todo fluye, todo nos empapa, todo lo sonoro se transforma en texturas que mágicamente podemos llegar a tocar.

Con su primer trabajo, The Verve irrumpió en el cielo de la música moderna con una tormenta de ideas, texturas y musicalidad cuyos efectos sensoriales perdurarán durante años en nuestras neuronas.

Nota: 9 (Sobre 10)

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