Encended las luminosas luces. El siglo XXI ha llegado.

Dentro de la negra y fría oscuridad una mano gélida y desconocida acciona un vetusto interruptor, y una luminosa luz roja baña el panorama musical indie que el nuevo siglo acaba de inagurar. Posiblemente ya no quedan caminos musicales vírgenes por dónde uno pueda explorar, y propiciado por ello la llegada del nuevo siglo supone la aparición de una nueva corriente musical originaria de New York City denominada "Post-Punk Revival", claramente influenciada por aquellos jóvenes iconoclastas de finales de la década de los 70 que hicieron del No FUTURE su bandera, quemando y arrasando por doquier (o al menos lo intentaron) las normas sociales establecidas en aquellos lejanos tiempos.
Veinte años después, otros jóvenes recuerdan la esencia del punk de los 70 que grupos como The Chamaleons, Public Image y sobretodo Joy Division abanderaron, y aunque estos jóvenes del nuevo siglo ya no llevan crestas y visten siempre con su rigurosa camisa mantienen la oscuridad abrasiva qeu sus pioneros dejaron patente 20 años atrás.

Tras la publicación de dos EP (Fukd ID & Precipitate), este cuarteto gestado en la Universidad de New York es fichado por el sello independiente Matador Records y graba su primer trabajo de larga duración, titulado Turn on the Bright Lights. Cuando uno escucha esta magistral obra se ve transportado desde sus primeras notas al punk oscuro de Joy division, pasando por el filtro de las murallas de sonido que grupos cómo Catherine Wheel hicieron magistralmente en Chrome, uno de los mejores trabajos del Shoegazing.
Desde sus primeros compases, Turn On the Bright Lights nos atrapa en un túnel oscuro e inundado por fria agua que nos llega a las rodillas, corremos despavoridos aferrándonos a sus deslizantes paredes, al frente solo hay oscuridad. Interpol fue capaz de recrear una atmósfera fría como un témpano mediante guitarras de hipnótica rítmica sobre una base creada mediante una batería y un acentuado bajo que debido a su milimétrica coordinación parecen salidos de las manos de dos hermanos siameses.

Nunca el frío y la oscuridad se presentaron tan mágicos y envolventes como este trabajo es capaz de mostrarnos. Dejad que Interpol os atrape en su mágico y tenebroso universo, os aseguro que no se tratará solo de música este sera un viaje completo por todos vuestros sentidos.

Nota: 9 (Sobre 10)

Obstacle 1

¿Como resguardarse del mundanal ruido en la cara oculta de la luna?

En silencio y únicamente acompañado de una tenue pero cálida luz, aprieto el botón de play de mi equipo de música y concentro mis cinco sentidos en la observación de la portada de una maravillosa obra conceptual publicada en 1973. Es en ese momento cuando se abre ante mis ojos la fría oscuridad seccionda milimétricamente por un haz de luz blanca, que tras atravesar las entrañas de un perfecto prisma, se dispersa y fracciona en una paleta de colores que baña de calidez la negra oscuridad que encierra este magnífico trabajo. El prisma, ese maravilloso e increíble objeto que es capaz de transformar la luz en color, es también la metáfora que sirve de portada para esta extraordinaria obra de ensayo que data del cada vez más lejano siglo XX. Hace ya más de tres décadas que Pink Floyd consiguió ,como si de un prisma se tratase, que The Dark Side of the moon sirviese de catalizador entre el blues, el rock clásico y lo que hoy conocemos como la música electrónica. The Dark Side of the Moon es el resultado de la evolución que Pink Floyd llevó a cabo tras reaizar un magistral cambio de rumbo con la publicación de Meddle en 1971, un magnífico trabajo que ya diseccioné anteriormente. Este magnífico Meddle sirvió de catarsis para que los cuatro componentes de esta legendaria formación se desprendiesen de sus miedos creativos y se dejasen llevar por la experimentación pura como unidad indivisible. El resultado fue el disco más experimental y cohesionado de la banda (y uno de los más experimentales de la historia del rock), ya que los cuatro componentes participaron en la creación y producción de las canciones, (aunque todas las letras salieron de la increíble mente de Roger Watters).

Roger Waters centró la temática de esta gran obra en el peligro que todos tenemos para caer en la locura, ya que el hombre moderno (¿alguien se acuerda del antiguo frontman : Syd Barret?) es asediado incesablemente por la guerra, la violencia, el tiempo, el dinero, la toma de decisiones, la muerte... Toda esta temática a parte de verse reflejada en la lírica del álbum también se refleja mediante los sonidos que encontramos en el mismo, por poner un ejemplo, en la pista nº 3 (On the Run) podemos escuchar a un avión estrellándose que representa el miedo a volar, la pista nº 4 (Time) empieza con el sonido de cientos de relojes que nos recuerda nuestra finita vida, la pista nº 5 (The grat gig in the sky) nos muestra musicalmente los lamentos por la muerte y en la pista nº 6 (la archiconocida Money) es una ironía al poder del dinero.
 A nivel puramente musical, Dark side of the Moon supuso un punto de inflexión en la historia de las técnicas de producción y grabación, ya que se introdujeron por primera vez sintetizadores (On the Run se considera la primera pieza electrónica de la historia del rock) que se mezclaron con “loops” superpuestos de sonidos cotidianos y voces para poder complementar a los instrumentos clásicos (guitarra, bajo y percusión). Todo ello se llevó a cabo bajo la magistral batuta de uno de los productores /ingenieros de sonido mas prestigiosos e innovadores de la historia de la música moderna : Alan Parsons.
Treinta y cinco años después de su publicación, Dark Side of the Moon sigue siendo uno de los trabajos más representativos e innovadores de la historia del rock y, con permiso de Wish You Where Here, posiblemente el mejor trabajo de Pink Floyd. Gracias a este trabajo me puedo esconder en la cara oculta de la luna y alejarme del mundanal ruido durante sus 43 minutos de magia sonora.

Nota 9'5 (Sobre 10)

Time

La Biblia Sagrada según Richard Edwards

Poco antes de desaparecer en extrañas circunstancias en Febrero de 1994, Richard Edwards (ex guitarrista y letrista de este cuarteto originario de Gales) vomitó su enfermizo universo en el que sería el final de la trilogía musical iniciada por Manic Stret Preachers cuatro años atrás. Durante este periodo, Richard Edwads (enfermo de Depresión Mayor adecentada con trastornos Bulímicos) y el bajista Nick Wire se encargaron del aspecto creativo a nivel lírico de todos los álbumes publicados por el grupo, pero en the Holy Bible el 75% de las letras pertenecen a Richard Edwards, el cual dejó plasmado en esta obra su testamento póstumo y vital.


Si los primeros trabajos de Manic Street Preachers (Generation terrorists & Gold Against the Soul) se caracterizaban por sus incendiarias letras, muy cercanas al espíritu de destrucción del Punk de los 70, Holy Bible es una decadente y oscura Biblia que recoge los últimos momentos del mencionado guitarrista. En él, Richard edwards nos muestra de manera gráfica su enfermizo punto de vista sobre su actual etapa vital utilizando un estilo lírico muy cercano al "Flujo de Conciencia " o al "Monólogo interior" que le sirve para plasmar sus pensamiento de carácter Nihilista y Misántropo.

A nivel puramente musical The Holy Bible se caracteriza por texturas abrasivas, rabiosas y desnudas (en la atmósfera sólo hay guitarras / bajo y percusión), muy cercanas a la sonoridad "sucia" del punk, lo que le confiere una gran velocidad para así poder aglutinar toda la lírica en 3 o 4 minutos de sonoridad por cada canción.

En la actualidad The Holy Bible se ha convertido en una pieza de museo, (es uno de los trabajos más aclamados de la historia del Rock) pero también es un disco muy introspectivo y violento, lo cual lo convierte eun un trabajo muy difícil de degustar. Desde mi punto de vista, y a parte de sus magníficas letras oscuras, dementes e incendiarias (lo único bueno que hizo Richey James junto a Nick Wire en su corta carrera musical) y algunas buenas canciones (Revol, Die in the Summertime o Faster), nunca entenderé porque este álbum es un objeto de culto entre los fans (y ahí me incluyo) de Manic Street Preachers.

Nota: 6 (Sobre 10)

Faster

Woohoo! Saltemos junto a la Madurez de Blur.

Tras haber probado las mieles del éxito a mediados de los años 90 con dos iconos de la música contemporánea como lo fueron Parklife (1994) y The Great Escape (1995), el cuarteto de Essex que se erigió como icono del britpop, dejó a un lado su adrenérgica y hormonal adolescencia para entar en su época creativa más madura mediante este homónimo trabajo.
Metafóricamente, la portada de este trabajo (en la cual se ve a un celador empujando una camilla) es el ejemplo de lo que ocurrió con Blur, un grupo que maduró, envejeció y entró en la UCI de la creatividad para no salir vivo de ella.

Probablemente fuesen las peleas que los cuatro componentes sostuvieron con la pandilla alcohólica de los hermanos Gallager (véase el otro icono del britpop: Oasis) o posiblemente fuera el sindrome del burn-out tras toda la vorágine explosiva del britpop. Pero existió un detonante para que estos cuatro jóvenes se decidieran por cerrar, de una vez por todas, la luminosa noria de esta corriente para entrar en la órbita del rock LO-Fi. Este cambio de rumbo que tanto gustó a la prensa norteamericana y tan poco a la británica, se llevó acabo, sobretodo, por la influencia que Graham Coxon (guitarrista del grupo) imprimió en las canciones de este trabajo, del cual salieron dos grandes singles como Beetlebum y el archiconocido (y repetido hasta la saciedad) "Song 2". Y ya está, esto es todo señoras y señores , por que a parte de dos o tres canciones, el pesado estilo (tan cercano, a ratos, a bandas como Pavement o Sonic Youth) que Blur imprimió a su quinto trabajo hace que se haga largo y difícil de digerir, llevándote a unos niveles de hastiamiento que pocos trabajos tienen la capacidad de conseguir.

La sentencia que el tiempo se ha encargado de escribir sobre esta obra de Blur sería la del giro inteligente y maduro que el grupo dió a su exitosa carrera pero con poco acierto, si exceptuamos la canción "Song 2", todo un himno para gran parte de nuestra generación.

Nota 4 (Sobre 10)

Beetlebum

¿A las 5? ¡Pues ya os podeis esperar sentados!

Después de 12 años de carrera, 4 discos de estudio y un recopilatorio, aquellos universitarios que empezaron versionando temas de U2 y Pearl Jam y que se perdieron por los pantanos del pop enlatado y empalagoso tenían que echar el ancla y parar su buque porque el capitán (véase la vocalista Amaia Montero) se hacía con un bote salvavidas y los dejaba a la deriva. Supongo que la decisión que la vocalista tomó en Noviembre del 2007 de dejar colgados a sus compañeros estuvo relacionada con jugosos contratos millonarios (no es la primera vez que pasa esto, algo que se le puede reprochar, o no) y que estos, despavoridos porque vieron que se les acababa el chollo, tomaron una decisión práctica y sencilla: buscar a una vocalista con un timbre de voz casi clónico de la mencionada Amaia Monero, vamos que lo que les faltó fue enviar a esta nueva vocalista a una oscura clínica en Baviera para que un cirujano antes al servicio de las Schutzstaffel (SS) de la Alemania nazi le practicase la cirugía plástica y le reemplazase la cara por la de Amaia Montero.

Esta divagación pero en clave de análisis significaría lo siguiente: La Oreja de Van Gogh (LOVG) tras la huida de su antigua vocalista tenía dos caminos por tomar:

1) Cómo ya no tenemos 20 años y nos hemos quedado sin la voz de los "huevos de oro", podemos reinventarnos y navegar en otra dirección.
2) Coño, coño, coño... que problemón. Hay que buscar pero ya una vocalista que tenga la voz clavadita a la de Amaia Montero, así, con un poco de suerte ni se notará que esta se ha pirado y podremos seguir machando con la música pop enlatada y monótona de siempre, esa que no hemos echo evolucionar tras 12 años de carrera (manda huevos como diría el sr Federico Trillo).

¿Y cual creen ustedes que fue la decisión que tomaron? Pues la sencilla, la que les va a permitir seguir con la ñoñeria comercial de toda la vida que tan bien se adapta a los 40 principales (¿o eran criminales? ) y por lo tanto la que les va a permitir pillar pasta a lo grande (véase la opción nº 2). Esta es la razón por la cual "A las 5 en el Astoria" es como un medley, una mezcla de tres primeros trabajos en el que podremos encontrar canciones que son clones de canciones ya publicadas. Es decir... si la discografía de LOVG se caracterizaba por igualitaria y de poca evolución ( y por ello aburrida) imagínense las sensaciones que transmite un trabajo que esta formado por retales de antiguas canciones.

Como dijo Millan- Astray... ¡Muera la Inteligencia! Mis Condolencias a la música de este país.

NOTA 0'5  (sobre 10)

Lo siento pero me Niego a poner la música de este grupo en mi Blog, así que no cuelgo ningún video (como he echo siempre para cada crítica).

Al que le interese que mire en You Tube...

Cuando el equilibrio es imposible.

Los Piratas fueron ese gran grupo originario de Vigo que durante trece años de carrera realizaron verdaderos malabarismos para conseguir el perfecto equilibrio entre calidad y éxito commercial, algo que no llegaron a alcanzar y por lo cual sucumbieron. Era tan innegable la calidad musical de sus obras y tan sorprendente su capacidad de evolución que hoy, con toda claridad, podríamos decir que si este grupo hubiese cantado en inglés en vez de en castellano habrían conseguido un éxito comercial inigualable por cualquiera de los grupos de su generación.
El trabajo que hoy tengo el honor de analizar, llamado Ultrasónica y publicado en el año 2001, es fruto de la mezcla del magistral rock cálido que el grupo había acuñado con su anterior trabajo (Manual para los Fieles) y de la experimentación con la música electronica. Esta magistral fracción experimental-electrónic a de Ultrasónica parece tomada de otro gran y desconocido trabajo de los 90 el Lp titulado 78 de los albaceteños Chucho, uno de los mejores trabajos alternativos que nunca se hayan publicado en este país. Durante los dos años previos a la publicación de Ultrasónica, Piratas fueron creando una treintena de maquetas que finalmente se convirtieron en las trece magníficas canciones que configuraron esta pequeña obra maestra.

Estas canciones carcterizadas por el Rock potente que fiirtea con la electronica y las atmósferas angustiosas supuso, en su año de publicación, el circular en sentido contrario a la música que se hacia en ese momento en nuestro país; mientras que el resto de grupos de esa época tendian al mestizaje de sus canciones, Piratas navegaban hacia la mentada electrónica y hacia las atmósferas tenebrosas.

Posiblemente esta fue la razón por la cual la discográfica del grupo (Warner) se negó en un principio a publicar dicho álbum. La razón de este planteamiento por parte de Warner ha quedado, con el paso de los años, cómo una definición intrínseca de la música del grupo: demasiado comercial para el circuito independiente, y demasiado independiente para el mainstream. Este hecho (que refleja la situación actual de la música : si no eres comercial no esperes que te publique un disco) no impidió que el álbum saliese a la venta y fuese nombrado por la crítica del país como uno de los mejores discos del 2001.

Conseguir el equilibro en este país (España) parece imposible, si no eres comercial... no vendes... y desapareces (como en el anuncio de un conocido mata cucarachas), razón por la cual tenemos tantos grupos de calidad mediocre en las listas de ventas y grandes grupos sobreviviendo bajo ellas.

NOTA 8 (Sobre 10)

Piel y Huesos.

El título del sexto trabajo de Foo Fighters es una mordaz metáfora (y también el título de una de las pistas de este disco) que Dave Grohl & Cia escogieron para definir su actuación "al desnudo" en el Pantage Theater de Los Angeles entre el 29 y 31 de Agosto del 2006. Para esta actuación, el cuarteto Seattle prescindió de la potencia eléctrica que tanto los ha caracterizado en directo para crear una obra más intíma y casí acústica, y digo "casi" porque este no es un Unplugged más, es un disco de decantación hacia el desnudo de sus temas más representativos.
Para este conciero Foo Fighters se despojó potentes eléctrica en directo para involucionar hacialos instrumentos acústicos, adecentados con un percusionista, un teclista (concretamente Rami Jafee, teclista del grupo de Jacob Dylan: the Wallflowers) y una músico de cuerda (violin / violoncelo). Para este especial concierto, Foo Fighters recuperó a Pat Smear, el que fue guitarrista del grupo hasta 1997 (año en el que abandonó el grupo por fatiga y problemas personales con el líder del grupo, Dave Grohl) al que se lencargó la misión de dar soporte mediante una guitarra eléctrica a la base rítmica de algunas canciones.
La idea de grabar un trabajo más íntimo y acústico surgió tras la publicación el año anterior del quito trabajo de Foo Fighters (In Your Honor), un disco doble con en el que se llevó a cabo la división de las canciones según su estilo: acústicas (ubicadas en el segundo cd) o eléctricas y adrenérgicas (ubicadas en el primer cd). De esta manera, Foo Fighters nos presenta un menú en el que prima la reinvención de cada una de las 15 pistas que conforman el trabajo (entre grandes éxitos y alguna "cara B"), ya que Skin & Bones no se limita a transformar al formato acústico cada una de las canciones, estas se ha reeditado añadiendo arreglos de cuerda,percusión y teclado. Esta reedición no presenta nada nuevo en el arte de la música (¿que grupo no lo ha echo ya con anterioridad?) pero el resultado es realmente efectivo y brillante, aunque la producción debriá haberse esmeado mas, ya que aunque el sonido es realmente limpio se escuchan en demasía los gritos y ovaciones del público (sobretodo los gritos de una fémina) lo que llega, por momentos, a ser realmente molesto.

El veredicto para Skin and Bones sería el siguiente: este es el trabajo que todo grupo lleva a cabo alguna vez en su carrera por y para el público, lo que no le desmerece en calidad pero si en la falta de originalidad; un pequeño inpass hacia la creación del que sería el brillante Echoes, Silence, Patiente and Grace pubicado un año después.

NOTA: 7  (Sobre 10)

My Hero

Penosa despedida.

Nuestro rico lenguaje, lleno de dichos, refranes y apotegmas me da pie, una vez mas, para establecer una lapidaria frase sobre la definición de un grupo musical, y en este caso el dicho o refrán seria: "no pueden haber dos gallos en el mismo gallinero".

Ride fue un cuarteto originario de Oxford en activo de 1990 a 1995, caracterizándose por ser una de las bandas más importantes del Rock alternativo / Shoegazing de principios de los 90 y caracterizándose también por tener dos mentes creativas (o compositores) dentro de sus filas con aires de grandeza o superioridad.
Es por todos sabido que los humanos somos entes totalmente influenciables por nuestros semejantes (ahora nos dejamos influenciar hasta por la TV, que cosas), y por esta fatídica característica humana empezaron los problemas de este estupendo grupo. Por que vamos a ver… uno se mete en el negocio musical para compartir su talento y sus creaciones, pero también para (como se diría en mi barrio) “palmar pasta”, porque esto de la música es un gran y suculento negocio. Y si estamos a mediados de los 90, y el BRITPOP es lo ultimo, lo más mejor y “chupuguay” del mundo mundial… pues nada, vamos a componer un disco de Britpop.
¡ERROR! Existe otro dicho que lapida de la siguinete manera: “si no sabes torear pa que te metes”, y no es que a los chicos de RIDE les fuera la tauromaquia, no, es que no tenían ni idea de componer en clave de Britpop (¡si lo vuestro era el guitarreo!) y por aquí salieron los problemas.
Tras publicar su tercer trabajo bajo la vorágine del Britpop (Carnival of Light) empezaron las disputas creativas entre los dos genios de RIDE : Andy Bell (hoy bajista de OASIS) y Mark Gardener (Hoy… mmm solista de escueta carrera), y estas disputas sumadas a la involución (que no evolución) del grupo dieron paso a uno de los PEORES TRABAJOS que tengo el honor de disponer en mi extensiva discografía: TARANTULA (1995).
Podríamos definir este gran (jajaja) “trabajo”, y lo pongo entre comillas por que lo debieron componer dormidos como: ¡PUAJ!

Al escuchar esta “obra” me siento cómo Homer J Simpson y empiezo a gritar Marge, Marge…¡me aburrooo! Con el consiguiente reproche de mi pareja (¿quien diablos es esa Marge?). Bromas a parte, TARANTULA es de los peores trabajos que he escuchado en mi vida (y mira que escucho música), es aburrido, carente de intensidad, repetitivo, y llano , un claro ejemplo de implosión autodestructiva por la disputa creativa de dos “genios” dentro del mismo grupo.

Tras escucharlo en varias (que no numerosas) ocasiones he llegado a la conclusión que este trabajo lo recomendaría únicamente al “señor” George “Zapato” Bush, ya que TARANTULA es el disco ideal para seguir puteando a los presos de Guantánamo. El resto de la gente: absténganse a perder el tiempo escuchando el mencionado cataclismo.

Nota: 2 (Sobre 10)

Black Nite Crash.