Cambio de rumbo : Destino equivocado.

Cómo si de una maniobra perfectamente orquestrada se tratase, 1995 supuso el año de inflexion para la música Pop-Rock británica. Un lustro después del inicio de la década de los 90 veíamos como el género del Shoegazing estaba herido de muerte debido a su ya poca repercusión y a la disgregación de aquellos exponentes que lo hicieron florecer. Grupos como Ride, Adorable o Slowdive cesaban en su empeño de luchar contra el nuevo estilo impuesto por las tendencias de la época: el Brit pop.
Ese mismo año, otra tendecia llegada del otro lado del océano atlántico y gestada en los suburbios de Seattle daba sus últimos coletazos en la condena de la desaparición: el Grunge estaba definitivamente muerto.

Entre esta vorágine de muerte, y ceación Catherine Wheel, uno de los GRANDES exponentes del shoegazing y creador que dos trabajos imprescindibles como lo son Ferment (1991) y Chrome (1993), intentaba adaptarse a los nuevos tiempos huyendo del pop luminoso de grupos como Blur o Oasis para centrarse el el Rock Alternativo de nueva hornada inagurado por el genio de Billy Corgan y sus subalternos, es decir, por The Smashing Pumpkins. Tanta era la admiración que los integrantes de Catherine Wheel tenían por el magistral sonido de The Smashing Pumpkins que intentaron gestar un trabajo (Happy Days) cortado por el mismo patron del genio de Chicago. Pero genio solo hay uno, y con este trabajo Rob Dickinson, Brian Futter & Cia perdieron su identidad y con ella perdieron la maestria y el buen hacer que tan buenos resultados dió con sus dos trabajos anteriores.
Happy Days no es que sea un mal trabajo, es que recuerda en demasía a cualquier tema de Billy Corgan y eso supone un desgaste importante por la utilización de un sonido tan milimétricamente parecido al del cuarteto de Chicago. Por ello este trabajo transcurre entre altibajos que intercalan este sonido “made in Chicago” con canciones mas cercanas al Britpop con algún resquicio de guitarras añejas, cercanas al shoegazing. Casualmente estas últimas son las que mejor se dejan escuchar, ya que son menos “evidentes” que el resto de temas de este irregular trabajo.

Con Happy Days Caterine Wheel imantó su brújula y esto supuso que perdiesen el Norte para no encontralo jamás, principio del fin para un grupo minoritario que magistralmente creó uno de los mejores tranbajos alternativos de finales de siglo : Chrome.

Nota: 6 (sobre 10)

Judy staring at the sun.

El oscuro y decadente final de la música Grunge.

Si observamos desde la perspectiva musical hacia la década pasada, podemos establecer la posibilidad de que la muerte de Kurt Cobain en 1994 es el detonante que establece el punto y final de la música Grunge (cómo el refrán del perro y la rabia : muerto el icono, muerta la corriente). Meses antes de que el ídolo de Nirvana pusiese con una escopeta el fin a su agónica vida, el otro grupo-icono de esta corriente (Pearl Jam) ponía ,casualmente, punto y final a sus andanzas por la estela del grunge dejando atrás una obra maestra como “TEN” y otra de mediocre creación como “VS”, su segundo trabajo.

Para su tercer trabajo, llamado originalmente Vitalogy (el estudio de la vida), Pearl Jam prescindió de la continuidad rabiosa que suponía quedarse en la corriente grunge para pasar a la diversidad sonora del rock agresivo, las baladas y las pistas experimentales (estas últimas y desde mi punto de vista fallidas y totalmente prescindibles lo cual resta puntos al valor final de este gran trabajo).
Vitalogy debe su original nombre al frontman del grupo, Eddie Vedder, el cual lo extrajo de un manual médico que databa de 1920 y que encontró en un viejo garaje. La oscuridad de este viejo garaje , posiblemente, supuso el detonante para que este tercer trabajo fuese más oscuro y menos directo que sus antecesores, lo que conlleva una mayor dificultad a la hora de degustarlo en sus primeras escuchas. Pese a este característica diferenciadora respecto a sus antecesores, Vitalogy es claramente superior en texturas y variedad musical que los dos primeros trabajos del grupo. En algunos aspectos este trabajo viaja en paralelo con otras grandes obras de la música contemporánea, ya que Vitalogy se gesta en un ambiente de tensiones, discusiones y amenazas de separación: peleas entre el frontman (Vedder) y el batería Abbruzzese (reemplazado posteriormente durante la grabación por el ex batería de Red Hot Chilli Peppers: Jack Irons), entradas y salidas en centros de desintoxicación para la deshabituación de alcohol/drogas del guitarrista McReady y megalomanía por parte de Vedder para la toma de decisiones final sobre la producción de las canciones. Todo este caldo de cultivo, unido a la pérdida de privacidad que sufrió el grupo por su gran éxito a nivel internacional dejaron una huella grabada con fuego sobre la temática de las canciones. Esta “oscuridad” que impregna este trabajo también se deja presente en el “artwork” del disco: para su publicación se prescindió de la caja de plástico típica del Cd (en la actualidad algo habitual pero no a principios de lo 90) y se realizó un libreto con páginas que reflejaban la temática médica del manuscrito original que data de 1920, lo cual potenciaba la visión enfermiza y decadente de este trabajo.

Este “estudio de la vida” que Pearl Jam llevo a cabo en la oscuridad que 1994 dejó a la música contemporánea, supuso el principio del fin de la corriente grunge para dar paso a un lustro de música rock más accesible, menos furiosa y demoledora y, en la mayoría de casos, más conformista. El grunge estaba herido de muerte y sin capacidad de recuperación.

NOTA : 8 (Sobre 10)

Corduroy

Más allá del Tiempo y el Espacio.

The Verve es un grupo realmente atípico de la escena musical británica de la década pasada. Tras debutar a principios de los años 90 envuelto en la psicodélia y el Glam-rock supo evolucionar, adaptarse y triunfar (cómo ningún grupo de su generación supo hacer) en la gran marisma del Britpop.

El primer trabajo de larga duración de este cuarteto originario de Wigam, titulado A Storm in Heaven, nos envolvía en atmósferas oscuras, tenebrosas, psicodélicas y cercanas al Glam Rock; algo que los diferenciaba del estilo musical más comercial y directo que grupos como Blur o Oasis empezaban a imponer.
Después de copar el número 1 de las listas Indies con este trabajo, The Verve inició una gira por América en la que aparecieron los primeros problemas y tensiones en la banda debido al consumo excesivo de drogas. Todo este caos generado tras la gira americana continuó durante las sesiones de grabación de su segundo trabajo (A Northern Soul) y ello desembocó en la rotura del grupo tras una corta gira .Este fallido trabajo se caracterizó por el abandono del sonido neo-psicodélico pasando al rock alternativo, lo que dió como resultado un álbum más comercial pero también mediocre y carente de intensidad.

El frontmant del grupo, Richard Ashcroft siempre se había reivindicado como el líder de uno de los grupos más importantes de la escena británica, aunque esta “escena” les diese la espalda por que su música no se adaptaba a los cánones del BritPop. No sabemos si fue el consumo excesivo de drogas o la insistencia férrea de Ascroft que no dejaba de autoproclamar a The verve como una de las bandas más importantes de los 90, lo que condujo a la reunificación del grupo, el cual convertido en quinteto (por la incorporación de Simon Tong) grabó el trabajo DEFINITIVO del Brit Pop : Urban Hymns.

A aquellos que ahora estén poniendo caras de interrogante y crean que no conocen este trabajo les dire el título de su primer single : Bittersweet Simphony. Esta pieza (que contiene un sampler de una canción de The Rolling Stones : The last time ) supuso el salto definitivo para Ascroft & Cia hacia el olimpo de la música moderna. Ello se debe a que este gran disco se diferencia de sus coetáneos de escena por el esmerado trabajo realizado en cada una de las 12 pistas que lo componen. Escucharlo es vernos inmersos en texturas sonoras envolventes (gracias al excelente trabajo de su guitarrista, Nick Mc Cabe), con leves tintes psicodélicos y múltiples arreglos de cuerda y orquestación. Gracias a la variedad sonora que The Verve imprimió a sus trece pistas , Urban Hymns es hoy el mejor trabajo salido de la fábrica del Brit Pop (aunque en absoluto suena a este tipo de música).

Tras 11 años de escucha me sigue sorprendiendo el que cada vez que escucho las texturas musicales que salen de la Gibson Les Paul de Nick Mc Cabe, miro al cielo y sonrío pensando en la grandeza de algunas personas, capaces de transformar 7 notas en millones de sensaciones y sentimientos.

Nota : 9'5  (Sobre 10)

Bittersweet Simphony

Nirvana ha muerto... Dave Grohl renace de sus cenizas.

El suicidio de Kurt Cobain en Abril del año 1994 supuso el punto final a un lustro de éxitos, drogas, abusos e incomodidades por el mero echo de haberse convertido en una estrella del mainstream. Durante los 3 últimos años que Dave Grohl se puso tras las baquetas del archiconocido grupo (ahora icono) de la música grunge, compuso una serie de canciones que nunca llegaron a ver la luz bajo el foco de Nirvana, ya que estas composiciones no comulgaban con el sonido rabioso del famoso trío de Aberdeen.
Tras la precoz desaparición de Nirvana, Dave decidió continuar adelante con su carrera musical (en un principio en solitario) y grabó las canciones que había compuesto durante su etapa en la banda-icono del grunge tocando íntegramente todos los instrumentos. Tras el éxito (un poco inesperado) que su primera obra tuvo a nivel local, decidió montar un grupo (bajo el pseudónimo de Foo Fighters) y publicar de manera oficial su primer trabajo en solitario.

Dos años después de este vertiginoso debut y tras una inicial gira plagada de éxitos, Foo Fighetrs publicaría su segundo trabajo, que para muchos es considerado como el primer disco “real “del grupo debido a la participación de los todos miembros del cuarteto en el arreglo de las canciones. Este gran disco, titulado The Colour and the Shape, es una obra conceptual del propio Dave Grohl, que se llegó a grabar hasta dos veces por que el resultado final no era el que deseaba el mencionado ex batería de Nirvana. Mediante 13 magníficas pistas, Dave nos muestra las etapas que su atravesó su relación con la fotógrafa Jennifer Youngblood (diseñadora del artwork de los trabajos de Nirvana) desde el inicio de su relación hasta la separación.
 Lo primero que llama la atención cuándo uno escucha este gran trabajo es que un disco tan conceptual e intimista cómo este tenga, en la mayoría de los cortes, una sonoridad tan potente y energética, con rasgos definitorios tan claros del rock alternativo post grunge. Así podemos encontrar pistas cómo “Walking after you” o “Doll” manifestándose cómo canciones íntimas y de sonoridad más dulce en contraposición con el Rock más salvaje y enérgico de temas cómo “Hero” o “Monkey Wrench”.

Si buscáis intimismo o un verdadero “chute” de adrenalina, permitiros el lujo de viajar por uno de los mejores trabajos de la escena post grunge, el trabajo con el Dave Grohl dejó de ser el batería de Nirvana para coronarse cómo uno de los mejores compositores del Rock alternativo del pasado y del presente.

Nota: 9 (Sobre 10)

My Hero

La piedra angular del Rock alternativo de la década pasada.

Algunos de los grandes genios de la historia del arte se han caracterizado por aunar una mente fértil y maravillosa con un carácter decadente y enfermizo. Este sorprendente binomio es aplicable a lo que sería la definición de Billy Corgan, líder de este sorprendente cuarteto de Chicago.
Tras el dolor, la psicodelia y la ascensión espiritual que Billy Corgan imprimió al fallido Gish (el primer trabajo de The Smashing Pumpkins), llegó uno de los más brillantes trabajos de la escena alternativa de la década pasada.

La gestación de esta piedra angular de la escena Grunge/ Postpunk de los 90 se llevó a cabo en medio de una vorágine de despropósitos personales para los cuatro integrandtes del grupo: la adicción a la heroína del batería jimmy Chamberlin, la ruptura amorosa entre el guitarrista James Iha y la bajista D´arcy y la grave crisis maníaco-depresiva adecentada con variados intentos autilíticos de Billy Corgan.
El enfermizo estado de Billy Corgan hizo que la gestación de Siamese Dream fuese el espejo de sus inseguridades, traumas del pasado y de su caracter maniático y megalómano. Fruto de este reflejo, Billy Corgan llegó a vivir prácticamente en el estudio de grabación entre diciembre de 1992 y Marzo de 1993, grabando la casi totalidad de las pistas de guitarra y bajo durante 16 horas diarias para conseguir el sonido cercano al Rock progresivo que tanto deseaba.
El resultado final sorprende si tenemos en cuenta que este es un álbum alternativo de principios de los 90 (recordemos que estábamos en la época de la simple producción imprimida a las obras del grunge). A diferencia de otros trabajos de la escena underground, Siamese Dream posee una producción muy esmerada y ornamental, con múltiples pistas de guitarras y cuerdas (la pista nº 6, SOMA, posee más de 100 pistas de arreglos de cuerda) y una percusión poderosa y con tintes de Jazz...

Toda esta conjunción supuso el salto al mainstream de los SP y la aclamación unánime del presente trabajo por parte de la crítica y del público. Y es que las canciones de Siamese Dream (escritas íntegramente por Billy Corgan a excepción de dos) aúnan poesia con guitarras poderosas y rasgadas adecentadas por una de las mejores percusiones de la escena alternativa todos los tiempos.

Simplemente ... sorprendente e imprescindible.

NOTA: 9'5 (Sobre 10)

Cherub Rock

Uno de los Mejores Exponentes del Brit Pop

Out of Nothing fue el cuarto álbum de estudio de EMBRACE, precursores del brit pop-rock y ampliamente conocidos en el Reino Unido aunque no han gozado del éxito comercial que Travis y Coldplay tienen en nuestro país. Este álbum publicado en 2004 llegó a ser el nº1 en el Reino Unido (se agotó en sólo 5 dias) pero pasó totalmente desapercibido en nuestra península. Desde el punto de vista musical Out of Nothing es un álbum muy superior a cualquier trabajo que Coldplay, Travis o Snow Patrol (tres referentes del BRIT) hayan podido publicar hasta la fecha, y antes de que me ataquen.. .diré que estas tres bandas mencionadas me gustan... y mucho. A primera vista no parece un álbum de brit pop puro, ya que nos transmite melancolia y un leve regusto a tristeza en todas sus canciones, canciones en donde podemos encontrar conjunción en estado puro entre guitarras llevadas al eco del infinito, leves toques de psicodélia, orquestación y grandes coros. Por todo ello en este album encontrareis una obra que rezuma una inteligente conjunción entre todos sus temas, huyendo de singles facilones al estilo de Travis o los anteriormente mentados Coldplay.

Lo mejor:
Un album imprescindible para todos aquellos amantes del brit-pop-rock (este es quizá el mejor album publicado de esta corriente hasta la fecha).

El gran trabajo instrumental llevado a cabo en cada canción, huyendo de singles fáciles y tontorrones (algo habitual en estos tiempos)

Lo peor:
Lo difícil que es encontrar este cd en este país. Si la estúpida de Paris Hilton saca un disco y no llega ni al número 100 de las listas,no os preocupeis que en EPAÑA lo tenemos. Pero un disco que ha sido nº 1 en el Reino Unido durante meses lo tienes que conseguir de importación. ALUCINANTE ! ! !

NOTA : 8 (Sobre 10)

Cuando el Dinero mata a la Creatividad.

A principios de la década de los 90, la discográfica Creation Records ( fundada en 1983 por Alan MCgee) aglutinaba gran parte de la escena musical británica indie / alternativa. Esta nueva ola de artistas alternativos que trabajaban “para” Creation Records se movían entre los géneros del Dream Pop y el Shoegazing, siendo los buques insignia de la compañía y del nuevo movimiento musical grupos como Ride, Swervedriver, My Bloody Valntine o Adorable.

Aunque gran parte de la prensa musical de la época tenía en buena consideración a estos artistas emergentes, Creation Records, sumergida en una crisis económica desde 1992, estaba ávida por conseguir liquidez y por ello antepuso los resultados económicos a la calidad de sus artistas. En medio de esta vorágine económica, Adorable firmaba su contrato musical con Creation en 1992 tras regrabar su primer single (Sunshine Smile) con esta discográfica, ya que el presente single había sido grabado previamente para otra compañía que no lo llegó a publicar nunca.
Su primer trabajo, Against Perfection , ( dicen las malas lenguas que un principio el trabajo se iba a titular Against CREATION debido a la mala relación entre el grupo y la discográfica) obtuvo una buena acogida en la escena indie de la época. Aunque la crítica especializada rápidamente los catalogó dentro del género Shoegazing, Adorable se autodefinía como un grupo alternativo de Glam-Rock y por lo tanto más próximo a Suede o a los primeros The Verve que a Ride o Swervedriver. Esta gran acogida por parte de la esfera Indie de la época no contentó a CREATION, la cual estaba sumida en una crisis y por lo que esperaba mejores ventas de su álbum debut.

Entre tensiones y enfados, Adorable volvió al estudio (tras un gira por EEUU, Japón y Canadá) para grabar su segundo y póstumo álbum: Fake. Si Against Perfection era rabioso y chulesco, Fake era todo lo contrario: introspectivo, desnudo y oscuro, aunque se mantenía la línea rockera independiente de su álbum debut. Tras la obtener unos discretos resultados comerciales, Sony (que había comprado parte de Creation Records durante 1994) despidió a Adorable centrándose en sus nuevas estrella multiventas: Oasis. Tras años de devaneos y tensiones, y sin el gran del grupo en la compañía (Alan McGee, retirado por problemas nerviosos ) , el cuarteto de Coventry anunció su desaparición durante un concierto en Bruselas a finales de 1994.

NOTAS:

Against Perfection : 7 (sobre 10)

Fake  8'5 (sobre 10)

Homeboy (Against Perfection)

Vendetta (Fake)

Híbridos, Malditos & Brillantes

Tiempo antes de que el Brit Pop llenara la escena musical británica de los 90, el Grunge triunfaba al otro lado del atlántico gracias a grupos como The Pixies, Green River, Nirvana, Pearl Jam y Soundgarden (entre otros). En este tiempo de fuerza sonora, apatia y desencanto lírico, la escena británica se debatía entre el género Shoegazing (Ride, Chapterhouse, Lush...) y los grupos-clones del mencionado sonido Seattle, con Bush (nada que ver con el "amigou" Yorch W Silly Bush) como abanderados de la escena Grunge británica.

Entre esta marea de nuevos grupos sumidos en la intensa renovación musical de principios de los 90, recordemos que el pop enlatado y sintetizado estaba dando sus últimos coletazos, un cuarteto originario de Oxford desafiaba a la prensa musical de la época, huyendo de cualquier etiqueta posible. Y es que el intentar definir a Swervedriver es dejar el cajón de las etiquetas totalmente vacío: algo de Garage Rock, pinceladas de Shegaziong, esencia Grunge y tintes de psicodélia. Este cóctel tan lleno de riqueza dio lugar con el paso de los años a la propia definición de Swervedriver: el de aquel grupo aclamado por la crítica y por sus reducidos fans que por contra era (y es) el gran desconocido e infravalorado cuarteto de la década pasada.

La carrera discográfica de Swervedriver se inicia en 1991 con el álbum Raise, caracterizado por el sonido "wall of sound" típico de shoegazing y las guitarras distorsionadas del Grunge. De este álbum es quizá el más conocido (o menos, según como se mire) el single Son of a Mustang Ford, toda una declaración de intenciones nihilista relacionada con los coches deportivos, las carreteras y los grandes espacios abiertos.

En 1993 publican el que será la piedra angular de toda su discografía (Mezcal Head), álbum que seguía la estela de su antecesor pero con una producción más brillante y una con portada claramente horrible. Este trabajo se caracteriza por una musicalidad densa y compleja, llena de arreglos de cuerda (principalmente de guitarras) que recrean con magistralidad la murall de sonido tan típica del Shoegazing. De este excelente trabajo cabe destacar el single "Duel", considerado por muchos cómo una de las mejores canciones del género Shoegazing.
Tras este magistral álbum, llegaría Ejector Seat Reservation (1995), claramente influenciado por el rock de los años 60 y 70 y 99 Dream (1998) que supondría el final del cuarteto tras el poco soprte mostrado por su compañia discográfica.

En la actualidad, y de acuerdo con las últimas tendencias, Swervedriver se ha reunificado e iniciado una gira por EEUU sin que se atisbe, por el momento, un nuevo álbum de estudio.

NOTA : 7 (sobre 10)