Que decir de Pearl Jam... la banda más representativa y con mayor calidad que ha dado la corriente del Grunge. Atrás quedan iconos cómo Ten, Vitalogy y No Code (bueno...este último alejado del icono grunge) y otros trabajos más maduros,aunque no tan sugerentes, cómo lo fueron Yield y Riot Act. Por ello, esperaba con impaciencia la nueva entrega de la banda de Seattle, pero esta última entrega esta me ha dejado un regusto agridulce.
Sin duda su ultimo trabajo, aunque comprometido socialmente cómo nos tienen acostumbrados, es el trabajo más flojo de los últimos 10 años (al contrario de lo que los críticos han dicho sobre él) . En esta última entrega homónima del quinteto de Seattle persiste el rock clásico al que nos tienen acostumbrados en los últimos tiempos (nadie es joven eternamente) pero se echa de menos la "chispa" y emotividad que sus últimos álbumes tenían.
En este sentido, y en dirección opuesta a otros trabajos de la banda (y desde mi humilde opinión), los temas más "grunge" son los menos brillantes del disco, si, destilan fuerza y rabia como antaño, pero ya no enganchan. Por el contrario el resto de temas (los más "pesados y lentos") son los que dan el verdadero sentido a este trabajo último trabajo.
Lo mejor: En directo siguen siendo un verdadero torbellino de fuerza y profesionalidad (el último concierto al que asistí, en la gira del 2007 fue alucinante).
Lo peor: Que su supuesta vuelta al sonido de antes se ha quedado a medio camino... lo siento críticos especializados pero no me lo trago.
Slowdive... el propio nombre de este quinteto británico (en activo desde 1990 a 1995) ya evoca de por sí tranquilidad y melancolía, y ello es reflejo de la cronografia creativa del grupo. En sólo cinco años de existencia y tras tres trabajos publicados, Slowdive es poseedor de uno de los discos más importantes a nivel creativo de la década pasada: Souvlaki.
Souvlaki, a parte de ser un plato típico de la gastronomía griega, es uno de los discos más sorprendentes que se llegaron a grabar durante la época de efervescencia del Shoegazing (género del rock alternativo de a principios de los 90).
Este gran trabajo,editado en 1993 y catalogado dentro del género Shoegazing (aunque a mi parecer se acerca más al Dream-Pop) se caracterizó por melodías envolventes, melancólicas y con leves tintes de psicodelia. Slowdive consiguió llegar a estas melodías mediante la superposición de múltiples pistas de guitarras (adecentadas con todo tipo de efectos) junto con bases rítmicas de teclados, consiguiendo así un efecto realmente hipnótico que nos permite viajar desde la luz cegadora a la más fría oscuridad. Souvlaki es capaz de transmitir todas estas sensaciones a través de 10 pistas hermosas, sobrenaturales e intimistas que alternan la suavidad con la abrasión, y por ello, por todas estas sensaciones que es capaz de transmitir, es considerado en la actualidad cómo un disco de culto y como uno de los trabajos más importantes de la música ambient, pero realizada principalmente con ¡GUITARRAS!
Este trabajo posee la cualidad de recordarnos que la música es un placer extraordinario, el alimento que necesita nuestra alma, y yo, mis querid@s amig@s intento que cómo mínimo mi alma tome una ración diaria.
Meddle supuso en su día un punto y aparte en la historia musical de Pink Floyd. Este álbum, publicado en 1971, es considerado como el primer gran trabajo del cuarteto británico sin el "lunático" de Syd Barrett (en el buen sentido de la palabra y haciendo referencia a la canción Brain Damage), el que fue genio ,aunque no comparto esa idea, y antiguo frontmant de la banda londinense hasta 1968.
Tras publicar Atom Heart Mother en 1970, álbum que mantenía la progresión instrumental iniciada en su antecesor ( A Saucerful of Secrets) pero vista desde la óptica personal de los cuatro componentes del grupo, Pink Floyd creó la primera joya de su carrera discográfica : Meddle. Esta gran obra se caracteriza, a diferencia de de los dos álbumes mencionados anteriormente, por la cohesión creativa de los cuatro miembros del grupo.
Meddle se inicia con One of This Days, una pista instrumental realizada sobre la base de dos bajos grabados en dos pistas diferentes e interpretados por Watters y Gilmour. Durante esta pista se puede escuchar la voz distorsionada del batería Nick Mason diciendo: "One of this days i\'m going to cut you on a small pieces". Esta frase lapidaria hace referencia la duración inicial del tema y la necesidad (por falta de espacio) de acortar la duración total (algo que la final tuvieron que hacer).
El álbum prosigue con A Pillow of winds, una canción acústica que habla sobre el amor (algo realmente extraño en la discografía de Pink Floyd), la pasión sobre un objeto inanimado, concretamente sobre el Mahjong (juego de mesa de origen chino al que se aficionaron durante las giras).
Fearless es un pequeño regalo para los oídos, esta constituido únicamente por guitarras acústicas en y en el cual se halla inmerso el célebre “You Never Walk Alone” (originario de Rodgers and Hammerstein) que los hinchas del Liverpool adaptaron como himno a su afición.
Continuamos nuestro viaje por Meddle con Saint Tropez, la única pista del álbum que está escrita por un solo miembro del grupo (en este caso Roger Watters) y que idealiza el día perfecto en esta ciudad Francesa. Esta canción se caracteriza por una musicalidad un tanto extraña para Pink Floyd, fruto de mezclar la sonoridad del Jazz con la música tropical.
Tras el viaje por Saint Tropez, llega la canción más estúpida (a mi parecer) que ha escrito Pink Floyd: Saeamus, musicalmente aburrida y monótona y con el perro Seamus ladrando durante la canción.
Fianlmente llega una de las mejores composiciones de Pink Floyd: Echoes. Cuando se iniciaron las sesiones de grabación de Meddle, y debido a la carencia de un tema central para iniciar la grabación, Mason, Wright, Gilmour y Watters entraron en los estudios de Abbey Road con la idea inicial de grabar sus ideas por separado (como ya habían hecho en el doble Lp Ummagumma), aunque este sistema no les había reportado grandes beneficios creativos en el pasado. Por esta razón decidieron experimentar y crear una pista con las ideas de los cuatro componentes utilizando la base musical de un piano... y así nació la maravillosa Echoes, llena de musicalidad y variados efectos fruto de la experimentación instrumental del grupo tan frecuente durante la década de los 70.
Este es sin duda uno de los grandes trabajos del Rock de los 70, madurado a la sobra del multiventas Drark Side of the Moon, pero igualmente magistral que éste último.
Esta estúpida frase, que bien podría sonar a broma, pero que hoy sigue siendo reflejo del grado de melomanía que poseen los directivos de las grandes discográficas, es lo que preguntó un directivo de la discográfica EMI a los integrantes de Pink Floyd durante las sesiones de grabación de esta obra maestra.
En efecto, ninguno de los cuatro genios del grupo respondía al nombre de Pink, pero Watters, Gilmour, Wright y Mason cambiaron el destino del rock instrumental con la publicación de Wish You Where Here, álbum conceptual publicado en 1975 en el cual la banda rinde culto al antiguo frontman de la banda: Syd Barret.
Cuenta la leyenda (urbana o no) que durante la sesión de grabación, Syd Barret se presentó en el estudio tras cinco años de ausencia, factor que propició que sus cuatro antiguos compañeros no lo reconocieran en un principio (ya que había ganado bastante peso). Siguiendo con esta historia, Barret entró en la sala de grabación y escucho un fragmento de “Shine on your crazy diamond” y quedó prendido por ese fragmento musical, llegando a ofrecer su ayuda para la grabación de esta pista, echo que fue rehusado por el grupo, que no se sentía cómodo con la situación. Esa fue la última vez que Pink Floyd vio a Syd Barret en persona (como han reconocido Gilmour y Watters).
El disco inicia su viaje con una obra maestra cómo es Shine on You Crazy Diamond (parte1), pista de 13:30 minutos que está compuesta por cinco fragmentos o partes (que se distinguen sin ningún problema) y cuyo tercer fragmento está escrito en honor a Syd Barret,
Esta primera pista se enlaza con Welcome to the Machine, para pasar posteriormente (en la edición en CD) con Have a Cigar, en dónde podemos encontrar la frase del directivo de EMI: ¿Cual de vosotros es PInk? Ambas pistas denuncian el honor de conseguir el éxito en conjunción con la industria discográfica, empresa que se mueve únicamente por dinero, dejando de lado la verdadera esencia que es la expresión y transmisión de la música (¡que cínico llega a ser Watters, será que le ha ido mal la vida con EMI records!)
Tras haber saboreado el cigarro, o puro que nos ha ofrecido la discográfica, nos encontramos con la archiconocida Wish You Were Here (escrita para Syd Barret) y Shine on you Crazy Diamon (parte2), que está constituida por los cuatro fragmentos restantes de la composición incial y que supone el éxtasis y cénit de este trabajo.
Sin duda, y desde mi humilde opinión, este es el mejor disco de Pink Floyd (y el último que grabaron como grupo cohesionado) aunque no es tan conocido, ni ha vendido tanto como su otra obra maestra : Dark Side of the Moon. Pero siendo conocedor de la discografía de Pink Floyd me pregunto: ¿Hay algo que brille con más fuerza que Shine on You crazy Diamond? La respuesta sería indudablemente : ¡NO!
Los seguidores y la crítica son unánimes a la hora de describir el decimotercer álbum de Pink Floyd : Obra Maestra, pero como seguidor acérrimo del cuarteto Británico difiero sobre este parecer absoluto. Si, The Wall es una gran OBRA conceptual y homónima del genio (muy venido a menos) de Roger Watters, pero en absoluto es el mejor trabajo de PInk Floyd (véase Whish You Where Here & The Dark Side of the Moon).
Cuenta la leyenda (tranquilos, no les voy a contar un cuento) que durante la gira que PInk Floyd realizó del álbum Animals durante el periodo de 1977-1978, un fan exaltado durante un concierto en Montreal hizo que Roger Watters "perdiera el norte" y se dedicase a escupir al público, siendo este echo el detonante de la concepción del álbum The Wall.
¿La Razón?
Roger Watters siempre había repudiado el tener que tocar en grandes espacios , ya que su concepción de un concierto incluía darle prioridad a lo visual y musical, quedando el grupo en si en un segundo plano (las grandes giras suponían el ejemplo de la alienación de las masas en referencia a las superestrellas). Por ello, Watters comenzó a fantasear con la idea que un gran muro (en sentido literal) fuese capaz de separar al grupo del público durante los conciertos.
Este echo tan surrealista fue el la semilla que gestó una de las obras más importantes de la historia de la música. Inicialmente la idea de la alienación músico-fan había de servir para la concepción de un nuevo trabajo, pero a esta idea inicial se le fueron añadiendo ladrillos que "hablaban" sobre el fracaso sentimental, la pérdida de un padre con la consecuente sobreprotección materna, la educación opresiva inglesa, la guerra o la locura: ¿Alguien se acuerda de Syd Barret?.
Para poder llevar a cabo el hilo argumental del trabajo, Watters creó un antihéroe enfermizo y traumatizado a causa de los devaneos que su propia vida le había deparado.
De esta manera, y a través de 26 canciones divididas en dos discos, Watters nos muestra a un antihéroe llamado PINK ("Alter-Ego" del mismo Roger Waters), una persona traumatizada por la muerte de su padre durante la Segunda Guerra, lo que condiciona que sea educado bajo una protección materna extrema y de acuerdo con las reglas de un sistema educativo opresivo. Este antihéroe crecerá siendo una superestrella del rock, con grandes problemas sentimentales y de drogadicción que lo conducirán a la locura y a la transformación de su propio ser en un dictador fascista (algo que él ha aborrecido toda su vida).
Todos estos determinantes vitales que hemos nombrado se transforman en ladrillos que construyen un muro opresor en torno a Pink, el cual llevado hacia el límite de la locura celebra un juicio ficticio contra si mismo (que le permite derribar el muro y volver a "fluir".
Como habrán podido interpretar, este gran trabajo, tan oscuro y enfermo, no es más que el repaso vital de la traumatizada vida de Roger Watters, y esa es la razón de que 19 de los 26 temas del disco estén firmados por él, siendo el resto fruto de la colaboración con el co-frontman del grupo, David Gilmour. Gracias a esta colaboración (la última en la historia de Pink Floyd) nacieron cinco temas, de los cuales 2 se han convertido en himnos de la historia del rock : Another Brick in the Wall (part II) y Confortably Numb.
Sin duda una gran obra musical, con variados pasajes vitales traducidos en canciones, relatos sonoros con los cuales nos hemos identificado alguna vez.
Monotonía Escocesa De más a menos... Esa es sensación que me transmite el escuchar el penúltimo trabajo de del cuarteto escocés.
Repitiendo la fórmula (modificada con pequeños matices) que tan buen resultado dio con el álbum The invisible band, y tras la oscuridad evocada de 12 Memories, Travis nos deleitó en el años 2007 con un nuevo trabajo en el que la fuerza inicial se diluia a medida que el disco avanzaba.
De entrada diré que no me parece un mal trabajo, pero si que me parece muy lineal y progresivamente diluido, es decir, que según las pistas van avanzando el trabajo de estos cuatro escoceses va desapareciendo entre la monotonía y el cuasi aburrimiento. Y es que este disco desprende cierto magnetismo por sus composiciones grisáceas / Lo-Fi, pero el resultado final es demasiado dulzón y poco arriesgado, con lo que no llegas a estremecerte ni a sorprenderte.
Esta es mi humilde sentencia del disco, un disco que supone el freno de la línea evolutiva del grupo y que nos deja un gusto agridulce, una sensación de que algo se ha quedado en el tintero. Por contra... diré a su favor que este es el disco ideal para aquellos que sólo buscan la calidez del sonido pop ya conocido en el grupo.
Esperaba con impaciencia el último disco de The Smashing Pumpkins, la banda por excelencia del rock alternativo de los años 90, creador de discos imprescindibles como fueron Siamese Dream y Mellon Collie. Pero tras siete años de impaciencia silenciosa... me encuentro con "esto", si como lo oyen, "esto", porque al último disco del grupo no se le puede llamar trabajo.
La sensación que transmite Zeitgeist (traducido del alemán: el espíritu del tiempo, que significa el clima cultural e intelectual de una era) es un la de un recopilatorio de caras B, canciones inconexas creadas desde la influencia de los diversos álbumes que el grupo publicó en su productivo pasado. Llegados a este punto uno se da cuenta que posiblemente el motivo de que el álbum se llame Zeitgeist es éste, el de dejarse llevar por la melancolía del pasado y así intentarlo emular en el presente.
Tras disolver Smashing Pumpkins e intentar volar por si sólo Billy Corgan ha tenido que volver al grupo que le dió el éxito en el pasado (eso sí, sólo se mantienen 2 miembros originales) pero ha vuelto sin ideas geniales y se ha dedicado a recrear un "revival" (bastante mediocre) de lo que el grupo fue y representó en el pasado. Y es que cuando uno se pone escuchar el último trabajo de la banda estadounidense se tiene la sensación de que Billy Corgan (el frontman del grupo) ha decidido componer las canciones de tres en tres ( tres canciones imitando la esencia musical de un álbum, y las tres siguientes imitando el estilo de otro), dejando un regusto realmente amargo en el paladar musical de aquellos que hemos degustado y disfrutado de sus anteriores trabajos.
Lo mejor:
Es un placer escuchar de nuevo al mejor bateria de los ultimos 20 años ,Jimmy Chamberlin, con su técnica mitad jazz mitad rock.
Lo peor:
Esperaba mucho más de una mente tan increible (por cantidad y calidad de composiciones) como la de Billy Corgan... pero el resultado ha sido bastante mediocre.
El hasta ahora penúltimo trabajo discográfico de OASIS es digno de tirar al fondo de un cajón (al cubo de la basura no lo tiraría por no tirar directamente los euros que me ha costado el cd) y olvidarlo hasta el fin de los días.
Este es sin duda el final de una línea descendente iniciada por el álbum "Standing on the Shoulder of Giants" y pone el broche de oro a la más absoluta mediocridad de la banda, y eso que fue nº 1 en el reino unido. Llegados a este punto me pregunto... ¿tan mal estaba el panorama musical en el 2005 para que un álbum como este llegase a ser un nº1?Creo que la respuesta es no, si vemos que se publicaron X&Y (coldplay), Push the button (Chemical Brothers), Lenguage,sex... (stereophonics) y el greatest hits de Mariah Carey (perdón... este no cuenta como música).
Y es que cuano uno escucha Don´t Belive the Truth tiene sensaciones como engaño, modorra, aburrimiento, astiamiento... el álbum en si es el estilo de siempre de Oasis pero con un sonido más acústico y sucio, digno de cualquier hipnotizador que busca que caigas en un estado de trance permanente.
Esta mal decirlo (y no hago apología a favor de las drogas, que ya estoy viendo algunos comentarios...) pero los Gallagher componían mejor cuando tomaban sus medicinas :una blanca y en polvo 5 veces al día y la otra,que también la utilizamos para desinfectar, de manera continua durante 24 horas.
Lo mejor: Bueno... lo único que me gusta de este cd es la pista número 9 que casualmente no esta compuesta por ninguno de los Gallager, sino por Andy Bell (ex frontman de la banda RIDE).
Lo peor: Que estos dos hermanitos se crean que son los más importantes del negocio musical tras The Beatles, un poco de humildad no les vendría mal si tenemos en cuenta lo que han publicado desde el año 2000.
¿Hart@ de la radiofórmula y de que te inserten la música en el cerebro con un embudo? Aquí podreis encontrar todo aquello que que los "40 Criminales" no os van a enseñar...
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